Петров Водкин Мать 1915
Работу «Мать» 1915 года считают переломной в творчестве Петрова-Водкина.
Кузьма Петров-Водкин «Мать» (1915)
Именно эти качества отличают картину «Купание красного коня» – главный шедевр художника, написанный им в 1912 году. Голова ее наклонена и, кажется, женщина прислушивается к себе. В работах 1920-х гг.
Аукционный дом исследовал картину и обнаружил, что данное полотно выставлялось на публике дважды в Риге (в 1922и 1932годах) в рамках экспозиции русских художников. И на многие десятилетия не утихнут споры о «Красном коне». Защищен младенец — мудростью и добротой. Выставка картин «Мира искусства».
- Русский музей Дополненная реальность
- Петров-Водкин, Кузьма Сергеевич
- ПЕТРОВ-ВОДКИН, КУЗЬМА СЕРГЕЕВИЧ
- Словари и энциклопедии на Академике
- Адреса в Санкт-Петербурге— Петрограде— Ленинграде
- Адреса в Санкт-Петербурге — Петрограде — Ленинграде
- Коллекция Государственного Русского музея
Сын написал эти строки. Когда-тО, в ранней юности, он впервые попал в провинциальный театр. Принципиально ее отличие от «итальянской» перспективы в расчете на динамику зрителя. Даниэль в книге «Знаменитые русские художники» так охарактеризовал творчество Кузьмы Петрова-Водкина: «На протяжении 1910-х годов амплитуда поисков Петрова-Водкина остается очень широкой. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты. В первые послереволюционные годы художник особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности ("Утренний натюрморт", 1918 "Натюрморт с зеркалом", 1919 "Натюрморт с синей пепельницей", 1920).
Ответ найдем, если взглянем на название картины, данное ей художником. И обыденные сценки на такой Земле обретают чувство ритуальности, метафоричности. с головой ушел в головокружительную новь, сознавая, что «кумачовый цвет рубах излюбленный крестьянами» и кумачовый цвет флагов революции — родственны. Недодумь и недоощупь — это и есть искусство. Натюрморты Петрова-Водкина с красноречивой точностью передают суровый дух времени ("Селедка", "Скрипка", оба 1918).
- Материал из Википедии — свободной энциклопедии
- Напишите отзыв о статье Петров-Водкин, Кузьма Сергеевич
- Отрывок, характеризующий Петров-Водкин, Кузьма Сергеевич
Последнее значительное произведение Петрова-Водкина – "1919год. Тревога" (1934). Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить». И память. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933). Он создавал тысячи эскизов, сочинял истории и сказки, написал книжку для детей «Аойя. Искусствовед С. Д.
Они считались священными их запрещалось употреблять в пищу. Вытеснить это иллюзорное, недостаточно, по их ощущению, материальное восприятие другим – пластически объемным, весомым, осязательно конкретным и энергичным – они стремились, осваивая, с одной стороны, творческое наследие П. Сезанна (и отчасти В. Ван Гога), а с другой – обращаясь к искусству непрофессиональному. Необычно и предугаданно, разворачивается Земля — выплывает из космических глубин, задерживается (на мгновение-вечность) — уплывает за горизонт, в космические глубины. В его жизнь вошли Бакст, Сомов, Бенуа, Добужинский, Дягилев, Остроумова.
И человека молодой Кончаловский видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: "Портрет художника Г. Б. Якулова" (1910), "Семейный портрет" (1912), "Портрет матадора" (1913). Всю жизнь Петров-Водкин искал живописную форму «философской картины мира». Так, наверное. Пронизывающие сердце огромность человека и огромность космоса встретились, остро и трагически соединились в «Смерти комиссара» (1928 г. ). Розовые, местами оборвавшиеся, отклеившиеся обои.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878, Хвалынск Саратовской губ. В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Часто играл своему другу Кустодиеву любимые сонаты Моцарта на скрипке. В этом движении — «колыбельная для ребенка». Но картина 1919 год. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893 – 1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895 – 1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897 – 1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905 – 1908), в том числе в студии Ф. Коларосси.
Иванова, Ге выставки: в Петербурге — «Демон» Врубеля, в Москве — «Красные бабы» и «Мужик» Малявина. Как достоверна, тревожна жизнь города: очередь за хлебом, разбитые окна, сценки купли-продажи, тревогой горят листы воззваний и плакатов. Неожиданная, абсолютно новая сферичность обняла меня на этом затоновском холме. Лето" (1917), "Спящий ребенок" (1924), "Первые шаги" (1925), "Смерть комиссара" (1928), "Весна" (1935) и др. Сам: «Петербург и школа Штиглица развили во мне критическое отношение к вне и самому себе. Лето».
Все авторские права на произведения принадлежат авторам и охраняются законом. Особенно часто к нему обращались в дни Великой Отечественной войны и после неё. Идею же полотна «1918 год в Петрограде» – таково официальное название картины – можно выразить так: разрухи и нищеты не будет, мы сумеем преодолеть это. Первые робкие опыты привели пятнадцатилетнего юношу в Классы живописи и рисования Ф. Е. Бурова (Самара). Лето», 1917, «Весна», 1935 и др. ).
Тогда же создается еще один детский портрет «Фектя»— хвалынской девочки Феоктисты Липатовой, он больше «Васи» по размеру, но такого же горизонтального формата, так же в портрете Фекти пейзажный фон зеленой стеной замыкает композицию, как в «Васе»— дощатая стена избы, тот же поиск «выражения, конкретного, как жизнь», не «существа-образы» «оживляются» на холсте, как, например, в «Жаждущем воине» (1915), а ищется «выход в реальное событие». Принципиальное ее отличие от "итальянской" перспективы – в расчете на динамику зрителя. Чистые цвета— красные, желтые, синие— во всю силу «заговорят» в его работах.
Тотемные животные были основателями родов, духами-хранителями и целителями.
Одни видели в Петрове-Водкине "новейшего декадента", у других с его творчеством связывались "аполлонические" ожидания, утверждение неоклассической тенденции. С этих лет художник активно работает и в сфере религиозного монументально-декоративного творчества: росписи Владимирского собора в Киеве (1890–1895), где Нестеров выступил прямым продолжателем Васнецова мозаики и иконы церкви Спаса-на-крови в Петербурге (1894–1897), росписи храма Александра Невского в Абастумани (1902–1904), Покровского храма Марфо-Мариинской обители в Москве (1908–1911). Религиозные сюжеты (где мастер варьирует прежние мотивы) допускаются лишь на «экспорт», а единственная его постреволюционная выставка (1935) носит закрытый, «спецпропускной» характер. Самобытные — из твоего бытия. Понимание пространства как «одного из главных рассказчиков картины» вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина». Они тоже открыты миру и мир открыт для них.
Как-то мастер поручил ему» прописать на подновляемой иконе травчатые околичности и палаты. Лоскутное одеяло на кровати, под которым, разметавшись, с игрушкой в руках спит малыш. «Двадцатый век наступал не просто, — скажет Петров-Водкин в своей книге «Пространство Эвклида». — Мы бросались от индивидуализма к запоздалому упрощенству от непротивления к бунту, чтобы только все стало вокруг нас не таким, каким оно было»Играющие мальчики. и А. Д. Корины (1930), Академик И. П. Павлов (1935), Скульптор И. Д. Шадр (1934), Скульптор В. И. Мухина (1940 все работы – в Третьяковской галерее) и др.
В "Портрете скрипача Ромашкова" (1918) решается чисто живописными средствами задача выражения в неподвижном изображении сложного, нервного движения, самого ритма музыки, которую играет скрипач. Эти приемы позволяют охватить в картине очень широкое пространство, придать ему космический характер. Извечна женственность и нежность.
Ясным, несколько мечтательным взором смотрит молодая женщина на мир. Многое менялось и в самом его творческом видении. Да и горизонтальный формат холста портрета, его меньшие размеры не позволяли Кузьме Сергеевичу «разбежаться вширь». Например, кажется естественным видеть в написанном тогда же, в 1913 году, натюрморте Петрова-Водкина «Селедка» память о «голодном пайке» тех лет.
Так что же все-таки движется здесь. В 1904 году Петров-Водкин заканчивает московское училище и спустя год отправляется в Италию. «Для меня «Красный конь» – яркий образец символистской живописи, – отмечала искусствовед Наталья Адаскина. Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов.
Отношение к цвету как к «господствующей силе живописи» художник приобрел рано и не терял его никогда. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915). Эту картину Кузьмы Петрова-Водкина часто называют «Петроградской Мадонной».
В июле того же 1901 года в Мюнхене, в знаменитом зале «Сецессион», открылась VIII Международная художественная выставка. В «Матери» она более выявлена наклонными горизонталями и вертикалями, создающими эффект «качки мирового корабля» в обычной русской избе. На столе — горбушка черного хлеба. Полотно «Мать» выполнено в любимой красной цветовой гамме художника. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников.
У Петрова-Водкина окно — соединяет, объединяет. Только в середине 1960-х гг. Так повелось еще с 1910 года, когда И. Е. Репин обругал выставленное Петровым-Водкиным полотно «Сон», обругал зло, несправедливо, обозвал «декандентом» и эта несправедливость словно приклеилась к Петрову Водкину. Они осмыслили мой провинциализм и уняли нетерпеливость в достижении цели».
Перебравшись в Самару, Петров-Водкин поступил в «Классы живописи и рисования», зарабатывая на карандаши и бумагу. случайной поденной работой, отчаиваясь в себе и своем праве быть художником. Он прибыл на Волгу по просьбе своей старой знакомой— помещицы Ю. И. Казарьиной, которая хотела попросить Мельцера выстроить для неё очередной особняк. Это как бы окно в мир, оно символизирует открытие мира человеком. Она сидит на траве среди родных полей. Именно сосредоточенность на лице позволяет датировать портрет 1916годом.
Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. Первичная – отдана художником, падающему свету. А может быть, шел поиск композиционных вариантов «интерьерной» картины и возможностей только-только нащупываемой «сферической» перспективы. Но в этой же графе есть и работы, написанные в 1916году. Судьба не была к нему благосклонной.
Член обществ «Мир искусства» (1910 – 1922), «Четыре искусства» (1925 – 1928) и других. Это было, с одной стороны, счастливое лето, когда он мог насладиться собственным, наконец достроенным, давно чаемым «гнездом«— дачей в окрестностях Хвалынска, где он «прочувствовал природу до конца», где ему хорошо работалось и спалось, где «приходили мысли, глубокие и поэтичные». Могут быть заимствованными, заемными слова, мысли, чувства же, отношения — никогда. И если такие картины, как «У моря» и «СонСон.
Рождается ощущение первозданности. Но свой художественный мир открыл лишь в новом веке, в пору бурной ломки художественных традиций. Может быть, один из них и стал героем портрета, как и Феоктиста («Фектя») была не просто соседской девчушкой, но и дальней родственницей художника. Их головы соприкасаются. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914 – 1915, «Петроградская мадонна», 1918). Верно.
Визу на пребывание в Риге ему выхлопотал Г. Я. Скулме. На «русских торгах» «Chrisies» на прошлой неделе за рекордно высокую сумму — один миллион восемьсот тысяч английских фунтов — ушла картина Кузьмы Петрова-Водкина «Вася» находившаяся более 80 лет в частной американской коллекции и не появлявшаяся на публике с 1932 года Первоначально полотно оценили в 250 тысяч фунтов, постепенно покупатели накидывали сверху по сотне, пока не дошли до полутора миллионов. ».
Это дает себя знать уже в лучших дореволюционных работах мастера Таких, к примеру, как «Купание красного коня», «Мать», «Утро». — Мне запомнились работы Врубеля, его образ демона. «Казачка». И защищена — тишиной, миром, покоем их лиц, движений, теплым светом, голубизной дня.
Среди картин Петрова-Водкина присутствует немало изображений обнажённых мужчин. Греция, Рим и Милан, открывший ему гений бессмертного Леонардо. А еще много читал, был завсегдатаем Художественного театра, очень любил музыку. Он заслоняет собой почти все пространство холста. 1919 год, Гражданская война.
Рядом с холстами монументально-декоративного характера, не лишенными стилизации («Девушки на Волге», 1915), возникают психологизированные образы в «оболочке» почти натуралистической формы («На линии огня», 1916). А. Н. Радищева) было обнаружено упоминание о «Васе» в ранее не опубликованном черновом списке работ, написанных художником в 1917–1925годы, составленном К. С. Петровым-Водкиным, вероятно, в 1926году для Ф. Ф. Нотгафта, который не только имел в своей коллекции картины К. С. Петрова-Водкина, но вел списки его работ. Повторим: эта работа — «Утро. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933). Страшная, со слезами и горем, не щадящая ни семьи, ни отцов, ни детей. Италия стала особенной школой для художника.
Таковы Художники П. Д. Художник несомненно преображает и природу и человека. На рубеже 1920-х и 1930-х гг. В портрете тоже была попытка изобразить часть окна с пейзажем за ним, но в окончательном варианте художник отказался от него: в правой части холста угадывается его закрашенное изображение: вероятно зеленые цвета пейзажа за окном «перекликались» с такими же «всполохами» на ризе Богоматери на иконе.
«Космический масштаб произведения искусства возможен», — сказал художник еще в Италии изучив творчество Леонардо да Винчи, которого любил. Если ранние его исторические картины еще по-передвижнически сюжетно-бытописательны (Избрание Михаила Федоровича на царство, 1886, Третьяковская галерея), то позднее, как бы идя вослед В. М. Васнецову, он усиливает в своих образах фольклорные черты (За приворотным зельем, 1888, Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева), атмосферу религиозной легенды (Пустынник, 1888–1889, Третьяковская галерея). Сейчас кивнет и, удобно устроив куклу, убежит с веранды, заливисто смеясь. Гулкая пустота улиц и площадей, острые холодные цвета. Казалось мне, не будь между ними этой сцепленности, они, как бабочки, вспорхнули бы и покинули стены избушки.
Наиболее органичными представляются произведения, связанные с темой материнства, проходящей через все творчество Петрова-Водкина: «Мать» (1913), «Мать» (1915), «Утро. В последнем случае под «иконописными рутинными навыками» художник имел в виду позднюю иконопись с ее «искусственным» темным колоритом, «сдержанностью и улаженностью между тонами», разлучающими икону с чистым цветом. А на балконе — женщина с ребенком, мать.
В последние десятилетия жизни Нестеров увлеченно работал над воспоминаниями, которые вышли отдельной книгой (под названием Давние дни) в год его кончины. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения). С 1908 участник выставок «Золотого руна». Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить». И могло бы случиться, как это случилось со многими моими друзьями из «Мира искусства», что я, на всю жизнь оставшись под его чарами, рисовал бы его каналы, Новую Голландию, ростральные колонны и памятник Фальконе.
Увлекательные разговоры с Мартиросом Сарьяном, умеющим умиротворять «любую нервную взъерошенность»: походы в московские ночные чайные — «извозчики, бродяги, продрогшие девицы, монахи» общие походы в Третьяковскую галерею — споры до хрипоты, «до кулаков» у полотен Ренина, Сурикова. По-своему «планетарны», монументально-значительны даже его натюрморты (Селедка, 1918, Русский музей), портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени (Автопортрет, 1918 А. А. Ахматова, 1922 оба портрета – в Третьяковской галерее). И отвечаешь сам себе: время. Здесь закрепляется традиция «церковного модерна», наполняющего канонические церковные сюжеты глубоким лиризмом.
«Бывает так: прыгнешь через овраг, не рассчитавши разбега и зацепишься только носками ног за противоположный край, а тело еще сзади — таков приблизительно был мой перескок с Волги на берега Невы». Жизнь налаживалась трудно художник рано понял, что живопись — «не забава, не развлечение», что она требует всю душу, всю жизнь, без остатка. Над Ахматовой фигура Музы.
И это действительно так. 1911 год. В графическое наследие Петрова-Водкина органично, входят его иллюстрации к собственным литературным произведениям, особенно к автобиографическим повестям «Хлыновск» и «Пространство Эвклида». Там, за окном, — враждебный мир. Но ведь так выглядит только -первая линия образного смысла натюрморта.
Художник рассказал в картине «Полдень» о жизни человека. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции (1918 год в Петрограде (с фигурой Богоматери с Младенцем на первом плане), 1920 все картины – в Третьяковской галерее). Все члены семьи в оцепенении застыли и ждут чего-то страшного.
Но прежде чем прикоснуться к этой жизни, вглядимся еще раз в «Красного коня». Хвалынские купцы, в том числе и Казарина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить». Художник придает ему почти классическую правильность, строгость, одухотворенность. Победу революции он встретил как долгожданную и необходимую. В картине звучат главные, фресково определенные цвета: холодная зелень травы, ситцевая, как бы чуть застиранная синева реки, ярко-красный цвет юбки женщины, белый – распашонки малыша. А вот в картине «1919 год.
Многие произведения Петрова-Водкина построены по принципу двойной экспозиции ("1918 год в Петрограде", 1920 "После боя", 1923 "Смерть комиссара", 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа. Возможно, художник хотел избежать прямой композиционной аналогии с «Матерью». Не приняв революции, Нестеров уединяется в творчестве. Но увиденные в детстве образцы древнерусской живописи «пересилят» в памяти Кузьмы Сергеевича поздние, «новодельные» иконы с их сдержанным, блеклым и темноватым колоритом. В том смысле, как понимала ремесло Марина Цветаева. ) — тоже на всю жизнь были с ним.
Разнообразие пространственных позиций в картине граничит с законом тяготения: «Полдень. Но у Петрова-Водкина она основывалась на реальности. В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой – вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения ("Красный поднос", 1913). У молодой мамы усталый и в то же время суровый взгляд.
Возможно, мальчик приходился родственником К. С. Петрову-Водкину. Вспоминается огромное число набросков и эскизов, сделанных Александром Ивановым к своему «Явлению Христа народу». Много писал — за один только год, 1918 й, создал замечательные натюрморты — острые, свежие, радостные.
И угадываешь радость детства, юности, радость открытия мира. Неизменным оставалось лишь одно—пафос утверждения человека. В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. Необычен взгляд — сверху и чуть сбоку.
Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты1112. Ремесло важно и для художника, так же как для слесаря или столяра. И именно эти зерна помогли Петрову-Водкину не уметь приспосабливаться и к жизни и к искусству он всегда относился серьезно. «Цвет в этом натюрморте не являлся только наружным обозначением «кожи» предмета, нет, каким-то фокусом мастера он шел из «глубины яблока низлежащие краски уводили мое внимание вовнутрь предметной массы, одновременно разъясняя и тыловую часть, скрытую от зрителя. Она утверждала, что всегда жила ритмами, которые звучали в героической истории ее страны.
Таково знаменитое Видение отроку Варфоломею (будущему Сергию Радонежскому 1889–1890, Третьяковская галерея), написанное близ Абрамцево, – картина, где чувством чудесного проникнуты в равной мере и фигуры и типически-среднерусский пейзаж. Главное в картине – это предчувствие: что-то произошло и чего-то ждут. Одна из наиболее известных ранних работ— «Сон» (1910) изображает двух обнажённых женщин, которые пристально разглядывают обнаженного спящего мужчину. В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Спокоен ее лик, светится надеждой и чистотой.
«У «Красных баб» подслушал я фразу Чехова о картине, сказанную одному из его друзей: «А ведь это куда сильнее Горького. » Малявин. Работы Петрова-Водкина— редкое явление для международного арт-рынка. «В воскресенье состоялись похороны моего отца. И потому еще, наверное, что самые первые свои уроки живописи получил у живописцев «древлего обычая», мастеров русской иконы. Много нового внес он и в живописное решение этого образа.
Понимание пространства как "одного из главных рассказчиков картины" вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. В них опоэтизированы лучшие черты русского народного характера. Последний эффект заключался в фоне: он замечательно был увязан с предметом. Петров-Водкин угадал редкостную гармонию «простоты», «надменности» и «бесслезности»—свойств, которые отмечала в себе и сама Ахматова.
Но особенно важное значение имело для художника открытие в те годы величия древнерусского искусства, которому Петров Водкин, по его словам, "протягивал руку" для воплощения на полотнах "святых" основ человеческого бытия. Позже оба варианта изображения интерьеров: с окном или распахнутой дверью (удвоение пространства, «пространство в пространстве») и с «глухой» стеной, на фоне которой изображены персонажи, — получат развитие. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914–1915, «Петроградская мадонна», 1918). Не гаси свечу. » Навечное, святое и земное моление-любовь Матери, отдающей свое Дитя в мир. Она поселила во мне разлад с самим собой и с Мюнхеном и с Московским училищем».
Особенно— Сезанна. Он не копирует жизнь и не подменяет ее вымыслом. По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Работу, оцененную в 100 -150 тысяч фунтов, продали за 937 тысяч. Однако октябрьский переворот он принимает восторженно.
Уходя и возвращаясь к «Красному коню», думаешь, невольно или вольно, о том, что не все уходит в небытие, не все — минувшее, но все — былое. А потом взгляд притягивает, приковывает своей синевой прямоугольник окна Окно на картине всегда «играло роль» — то манило за горизонт, то пугало огромностью мира и звало остаться под защитой дома, но неизменно противопоставляло, наделяло противоположными характеристиками два пространства, человеческое и планетарное. Учился в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). Вернемся к слову «утерпел», поясним его, вернее, его пояснит нам Петров-Водкин. Принципиальное ее отличие от "итальянской" перспективы – в расчете на динамику зрителя. Критическое отношение к «вне и к самому себе» осталось с ним.
ПЕТРОВ-ВОДКИН, КУЗЬМА СЕРГЕЕВИЧ (1878–1939), русский художник, теоретик искусства и писатель. Увидеть настоящий вулкан было его давней мечтой. В картине «Демон сидящий» юный титан изображен в лучах заката на вершине скалы.
Лето», 1917, «Весна», 1935 и др. ). Итак, картина могла быть написана в Хвалынске, в доме родителей художника (ныне дом-музей К. С. Петрова-Водкина) или на его красулинской даче летом 1916года. Лето», «Утренний натюрморт», «Натюрморт с самоваром» и др. И эта семья не представляла ценности этой картины.
Профессор. 1910Холст, маслоГосударственный Русский музей», несли на себе печать общеевропейского искусства и были по сути своей вненациональными, то «Мать» – глубоко национальное произведение. После событий 1917 года он повторил то же самое. Вместе с тем натюрморты с красноречивой точностью передают суровый дух времени ("Селедка", "Скрипка", оба 1918).
А может быть, он бы и не захотел, не принял ее благосклонности, объявись таковая. Учился в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933).
Посещал студию А. Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908). Последнее значительное произведение Петрова-Водкина – "1919 год. Тревога" (1934). Утерпел (потом мы еще вернемся к этому «утерпел»), не поддался гибельному влиянию декадентства, не воспринял разлагающую моду пустого салонного эстетства, прошел сквозь соблазны модернизма, не лукавил, пережил горькое (всегда. ) сознание, что ты не понят, не принят, не оценен. Иконописцы в ХIХ веке часто для заказчиков-старообрядцев имитируя стили XV— XIV веков (дониконовской эпохи) избегали яркого цвета. Известные пока его наброски на религиозные сюжеты весьма похожи на подготовительные работы к какому-то большому полотну, оставшемуся незавершенным.
тишина — начало дня, начало жизни. Поездка в Ферапонтов и обращение к Древней Руси отразилось и в охристой общей цветовой гамме портрета и в иконописной манере изображения, в строгости «предстояния» Васи. произошло новое открытие Петрова-Водкина, благодаря чему теперь ясен истинный масштаб его дарования и ценность творческого наследия.
Свое понимание революции как всемирно-исторического явления, открывающего человечеству путь к совершенству, он воплотил в ставших классикой советского искусства картинах «1918 год в Петрограде» (1920) и «Смерть комиссара» (1928). Искусство русского авангарда продолжает дорожать. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910 – 1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918 – 1921), Всероссийской Академии художеств (1918 – 1933). И дать радость. Не отчаяние, но боль и горестное недоумение в этих заметках: «Декадентщиной еще несло изо всех щелей, школы не было», Л. Бакст рафинировал «эстетику линии, образующей силуэт» в Москве «в декадентской истоме доживало последние ресурсы «Золотое руно» «на стенах выставок появлялись какие-то вежливые мальчики и дамы имеющие весьма малое отношение к живописи».
Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. На первый план выдвигается проблема пространства, находящая разрешение в «сферической перспективе». изможденная, печальная мать («1919 год Тревога»). Истоки мастерства Петрова-Водкина очень многогранны Здесь, помимо Серова и Врубеля и древнерусская живопись и искусство итальянского Возрождения (особенно любимы художником были Леонардо да Винчи и Джованни Беллини) и Александр Иванов.
Все это будет до «Красного коня» и после детства. Впервые в жизни я видел «смерть», особенно же смерть существа, ставшего таким дорогим: то был день, полный солнца лучи его ласкали умирающего». Эти «несчитанные кочки» дадут потом основание исследователям жизни и творчества Петрова-Водкина сказать: «Его путь в живописи был абсолютно оригинален». От его натюрмортов Петров-Водкин не мог отойти. «Серо и косноязычно пришепетывали мои краски на неопрятных самодельных холстах.
Не сдался. Этот самый «голодный паек»- как бы включен художником в общую атмосферу эпохи, вобрал в себя ее радостные тона, приобщение к величию времени. Это впечатление от материалов врезалось в меня на всю жизнь». Они всегда свои, собственные, личные.
Ближе всего к человеку, конечно, животные. В различные периоды жизни Петрова-Водкина эти влияния проявляли себя по-разному.
Покой. Его мадонна оказывается русской босоногой крестьянкой («Мать», 1912 – 1913). В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Заслуженный деятель искусств РСФСР. В 1932году картины художника экспонировались на выставке русского искусства в Филадельфии, а в 1933году— на выставке «Современное искусство СССР» в Сан-Франциско, Чикаго, Филадельфии, Нью-Йорке.
Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. как мы их видом, - они будто бы стали неотъемлемой частью самого облика мира. Жестокость критики за любовь к «трехцветке» и за любовь к «сферической перспективе» преследовала его всю жизнь. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства».
В 1916году он последний раз перед долгой разлукой с родными пробыл в Хвалынске с июня по декабрь (в 1916году К. С. Петров-Водкин был вызван в Хвалынск, он был приписан как военнослужащий по месту рождения). В ней празднично сияет обнаженное тело, белеют древние стены новгородских соборов, мерцающая позолота фигурной сахарницы оттеняется глубокой зеленью темного стекла ("Зеленая рюмка", 1933). Почему К. С. Петров-Водкин отказался от изображения окна в портрете. На следующий год художник стал членом объединения "Мир искусства", с которым был связан до его роспуска (1924). Иными словами, происходит постепенное опровержение внешней сюжетно-предметной ситуации. Глава лондонского департамента русского искусства аукционного дома Сара Мэнсфилд сообщила агентству «Интерфакс-Сибирь»: «Картину русского художника Вася мы обнаружили четыре месяца назад в Чикаго, в одной семье, в которой она хранилась около 70лет.
Жаль мне было расставаться с чистым цветом». С первыми художническими впечатлениями от русской иконы пришло понимание ее «цветового свечения» — почему так локален (не глух и не слеп) цвет в лучших ее образцах почему отказалась древнерусская живопись от световоздушной среды зачем, для чего эти пробелы на складках одежды, эти высветления вошли в кровь и сознание великие гуманистические озарения Андрея Рублева, его просветленность и глубина, его понимание Красоты и Любви человека. «Плавями» написанное лицо, вернее было бы сказать «лик», небольшой рот с тонкими, плотно сжатыми губами, дугообразные тонкие брови над не по-детски серьезными серо-зелеными глазами, светлые, цвета выгоревшей на солнце соломы, короткие волосы, обрамляющие «светящимся нимбом» гладкое лицо с загоревшим носом, тоже отсылают зрителя к древнерусским образам. Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. Предстоит что-то грандиозное, коренным образом меняющее судьбы. «Полдень», «Девушки на Волге». Картина вызвала дискуссию среди художников и резкую критику в прессе. Квартира рабочего.
что волнует, беспокоит ее. И уже здесь — резкая индивидуальность пространственного решения, которая так мощно вы разит себя в «Полдне» — в работе, написанной в память об отце. «Голова Христа» по замыслу и уровню художественности стоит чрезвычайно высоко. Искренний «попутчик» революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны (После боя, 1923, Центральный музей Вооруженных сил, Москва Смерть комиссара, 1928, Русский музей).
В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. И еще, что, может быть, более важно и значимо: «Фантастический город Петербург.
По словам Ю. Русакова именно такие люди способны двигать искусство. Та же дощатая стена избы, киот слева, только в портрете на нем стоит икона Богоматери «Умиление», а в картине— несколько мелких бумажных. Богаче по штриховке рисунки напоминают гравюры на дереве. Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов.
Что форма, что цвет, когда полусонные грезы должны наискивать неясный образ. Потом — фантазия. Купить копию картины можно на подарок или для оформления собственного интерьера.
В 1914 году «Красный конь» отправился на международную выставку в Швецию. — С вое происхождение человек связывал с космосом. Холодный лиловый цвет «борется» с теплым оранжево-золотистым. Как "гимн Аполлону", как заклятие "чудовищного смятения" (Бенуа) современной действительности, призывом и предчувствием грядущего очищения и обновления мира была воспринята критикой появившаяся в 1912 на выставке "Мира искусства" картина Петрова-Водкина "Купание красного коня". Много полезных, но острых заноз в себе унёс я с этой выставки.
Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить». Он создает песню о ней. Волосы девушки убраны назад и закручены в тугую прическу.
«Форма и цвет, объемлющий эту форму, – и есть живопись» – так сам Петров-Водкин сформулировал свой принцип. (1924), «Первые шаги» (1925), «Смерть комиссара» (1928), «Весна» (1935) и др. По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Главное – это стойкое ощущение страха, тревоги, чего-то угрожающего.
И не так — ответы на собственные вопрошания мы даем сами же, собственным отношением. Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Потом будут Константинополь.
Но фон — тревога, беспокойство, ожидание — напоминает нам: Петроград, 1918 год. Правда, система цветовых и ритмических повторов (аркада одного из зданий вторит контуру фигуры Матери цвет дома справа а облегчении соответствует цвету накидки на ее платье и т. д. ) как-то связывает оба плана, но создается впечатление, что фон несколько призрачен, может смениться, а мать с ребенком будут оставаться всегда, причем такими же. Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918 «Голова мальчика-узбека», 1921 «Портрет Анны Ахматовой», 1922 и др. ). Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. Ее лицо с крупными чертами привлекательно.
«Скотный двор на берегу реки» Михаила Клодта (1858) ушел за 769 тысяч фунтов, а «Портрет мужчины» (1920) Бориса Григорьева продали за 657 тысяч. Чего ждет от них. "Играющие мальчики" (1911) и особенно "Купание красного коня" (1912) знаменуют принципиально важный рубеж в творчестве Петрова-Водкина. Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Может быть именно это позволяло ему читать судьбу по лицам. (1917), «Спящий ребенок». Это уж на всю жизнь, как и «несчитанные кочки» жажда познания, открытие мира для себя и других, жажда проникновения в тайны ремесла (в лучшем смысле этого слова.
Многое понял у мастеров «древлего обычая» Петров-Водкин. Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине. Приключения Андрюши и Кати в воздухе, под землей и на земле». В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет ему изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты».
Может быть, это угадывание и есть то неназванное слово в загадке «Красного коня». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине. На выставке Салона, организованной С. Маковским, Петров-Водкин был представлен «Африканским» и «Парижским» циклами (это было еще до знаменитого «Сна», вызвавшего «всероссийский скандал», но выражению Петрова-Водкина). Тревога» (1934) окно — это символ какой-то опасности именно оттуда исходит тревога. Именно она наводит ужас на всю эту крепкую, дружную и такую милую семью.
Однако, творчество художника невозможно сводить к гомоэротизму. вера в его нравственную красоту. Спустя годы это открытие преобразовалось в его теорию сферической перспективы. Об этом времени он рассказывает в своих воспоминаниях «О мире искусства».
Последнее значительное произведение Петрова-Водкина – "1919год. Тревога" (1934). Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения). С 1908 участник выставок «Золотого руна». Тревога (1934, там же), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами, а многофигурное Новоселье (1937, Третьяковская галерея) –на тему «уплотнения бывших буржуев» – как сатира на новый быт. В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». В своих новаторских монументально-декоративных работах (росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче, 1910, Морском Никольском соборе Кронштадта, 1913, росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы, 1915) Петров-Водкин выступает как замечательный мастер «церковного модерна».
У Петрова-Водкина его мадонны тоже на фоне окна или на балконе. Но так ли это — «не рассудил, не разъяснил». Это была передвижная выставка, она была показана в Петрограде, Москве, Киеве, Саратове, Курске, Риге и Ереване. Кончаловский пишет полные жизненной энергии портреты композитора С. С. Прокофьева (1934), писателя А. Н. Толстого, за обильно уставленным лоснящейся снедью столом (1940-41) искусствоведа С. Тройницкого (1943).
Некоторые работы Петрова-Водкина были восприняты как содержащие эротизм. При первом взгляде на портрет всплывает в памяти картина К. С. Петрова-Водкина «Мать» 1915 года. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. Художник изобразил бедную семью, в которой двое детей.
Они не то разбиты местами, не то затянуты паутиной, а может быть, просто покрыты пылью. Может быть именно это позволяло ему читать судьбу по лицам. Современники Петрова-Водкина восприняли «Красного коня» как заклятие современной действительности, как призыв и предчувствие грядущего очищения и обновления мира. Чертами такой организации отмечены многие произведения: "Полдень.
Он обращается к старой и вечно новой теме материнства. Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. Купальщицы» — самое прекрасное, чистое, многозначно напряженное творение Петрова-Водкина. Да и художник ответил на них своей жизнью искусством, своей работой. Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918 «Голова мальчика-узбека», 1921 «Портрет Анны Ахматовой», 1922 и др. ).
За ними—разумно сдерживаемые страсти—точно так же. Посетители залов французской живописи наверняка заметили «странного русского», с яркими синими глазами, часами простаивавшего у полотен Монэ, Писсаро, Сислея, Ренуара, Сезанна. Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923 «Смерть комиссара», 1928). Не тогда ли «Вася» и был приобретен владельцами. Парадоксальная картина, правда. 1920 г. Петров-Водкин неизменно предпочитал оставаться вне каст, заклинал близких не впутываться в политику, в которой «сам черт ногу сломит». Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906 «Берег», 1908 «Сон», 1910). Вот что вызывает их тревогу.
Она словно чутко прислушивается к чему-то. Общественный резонанс первых выступлений художника носил противоречивый характер. Купальщицы» (1917). О встрече с ним, мастером, Филиппом Парфенычем, Петров-Водкин рассказывает во второй своей книге — «Пространство Эвклида».
Искусственно делая икону «старой», как бы «намоленной» рядом поколений, с потемневшей олифой, с потухшим то зеленоватым, то коричнево-золотистым тоном живописи иконописцы слоем старой олифы путем сложных и ловких манипуляций «присмиряли» цвет там, где он невольно вырывался из общего тона. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. После этого масштаба среди людей показалось мне простым и нетрудным наладить жизнь». Петров-Водкин отвечает на это сам и отвечает его искусство. Во все полотно – мощная фигура коня.
В колорите картины — контрасты. В конце июля 1924года по дороге во Францию, К. С. Петров-Водкин с семьей останавливался в Риге на две недели, читал лекцию об основных положениях разработанной им «сферической» перспективы, способной воздействовать на зрителя органически. А сам художник после начала мировой войны воскликнул: «Так вот о чем было «Купание красного коня». Не видя, не желая видеть его острой индивидуальности, ни на что непохожести, своей системы восприятия натуры (он называл ее «наукой видеть») в пространстве и цвете. Обычный русский пейзаж — золотое жнивье, перелески, холмы, дорога, лошадка избы, река. нащупывает более плодотворный путь.
Он отказался от классической перспективы и заменил ее сферической. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Такова композиция картин «Полдень. Под воздействием живописи французского символизма (П. Пюви де Шаванн и в особенности Ж. Бастьен-Лепаж) Нестеров подчеркивает идиллически-задушевное единство своих героев и окружающей природы. Представьте себе: Москва, 1912 год.
В натюрморте "Сухие краски" (1912) тяжелые цветные порошки в прозрачных банках делают это качество цвета особенно наглядным. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906 «Берег», 1908 «Сон», 1910). Чертами такой организации отмечены многие произведения: "Полдень. Посещал студию А. Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908).
И душа. Одним чудился в коне Октябрьский штурм, другим — Апокалипсис. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Будет еще Мюнхен, Париж, где он встретится с Матиссом, будет поездка в Северную Африку.
«Демон» Врубеля — соединение противоречий: красота, величие, сила и в то же время скованность, беспомощность, тоска его окружает сказочно-прекрасный, но окаменевший, холодный мир. В первые послереволюционные годы Петров-Водкин особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности ("Утренний натюрморт", 1918 "Натюрморт с зеркалом", 1919 "Натюрморт с синей пепельницей", 1920). Второй по стоимости картиной на лондонских торгах стал «Натюрморт с розами и яблоками» Константина Коровина (1917).
Одной из целей поездки был Везувий. В созданной тремя годами позже картине «Девушка у окна» художник раскрыл уже иные оттенки характера современницы. Мы угадываем в нем затаенный огонь больших страстей, готовность к действию, целеустремленность, которые при определенных жизненных обстоятельствах могут неожиданно выйти наружу, не страшась никаких преград. Многие произведения построены по принципу двойной экспозиции ("1918 год в Петрограде", 1920 "После боя", 1923 "Смерть комиссара", 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа. Но лицо изображенной матери еще «абстрактно», а в портрете «Васи» уже ищется типаж— характерный, волжский.
В разломе судеб эпохи, дней, жизней нужны новые усилия для постижения реальности, новый, небеспредметный взгляд на реалии жизни человека, на время и пространство, сцепляющее их, не дающий потерять себя (что может быть страшнее, вспомните того, кто в детских глазах увидел «поблескивающую искру», вспомните), свое чувствование жизни. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты67. «Лежащая обнаженная» Зинаиды Серебряковой «улетела» за 577 тысяч фунтов.
Сам художник не рассудил спорящих, не дал им свои разъяснения. Цвет играет побочную роль в передаче характера. Неожиданная, абсолютно новая сферичность обняла меня на этом затоновском холме. Все застыло и все движется.
Профессор. В этом черновике в графе, относящейся к 1917году, упоминается картина «Вася». В любом случае обнаруженная работа представляет несомненный интерес для исследователей творчества художника, добавляя новые штрихи к его творческой «алхимии». Космологический символизм сказывается и в портретах ("Автопортрет", 1918 "Голова мальчика-узбека", 1921 "Портрет Анны Ахматовой", 1922 и др. ). Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923 «Смерть комиссара», 1928). На рубеже 1920-х и 1930-х, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, обратился к литературному творчеству. Порукой надежды то, что «люд» ощутил себя человечеством, а раз это ощущение явилось оно не исчезнет. – Это очень емкий образ, представляющий эпоху, говорящий от ее лица.
В 1901 году, будучи студентом училища, осатанев (скажем так) от бесконечных споров о смысле и сути искусства (иногда «доходивших до рукоприкладства», как он сам замечает), Петров-Водкин предпринимает велосипедное путешествие в Германию, главным образом в Мюнхен. После смерти художника его имя оказалось полузабытым. Лишь в громадном портрете В. Э. Мейерхольда (1938), необычайно нарядном, так как режиссер написан на узорном фоне среднеазиатской вышивки, резким диссонансом звучит драматическая нота – страдальческое лицо человека, загнанного в тупик, ждущего гибели. У художника она должна быть безудержной.
Лето" (1917), "Спящий ребенок" (1924), "Первые шаги" (1925), "Смерть комиссара" (1928), "Весна" (1935). Петроградская мадонна. Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (Сон, 1911 Играющие мальчики, 1911 обе работы – в Русском музее, Петербург). Он привез с собой на родину 200 с лишним холстов своих работ, новое «отношение к натуре и изображению», огромный запас впечатлений, наблюдений, запоминаний, мыслей. В портрете с изображением крупного плана девушки «У окна» Петров-Водкин представляет сборный, навеянный образ, при этом зрителю этот образ не видится искусственным.
Ему приписывали «мистицизм», . «формализм», западный «фовизм». Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. Не запомнилась пьеса, не запомнились «действующие лица», запомнилось другое: «Я вообще и не подозревал, что человеческие страсти так огромны, что они так пронизывают сердце, даже когда их наблюдаешь со стороны». Художник, таким образом, словно приобщает нас к самому священному из таинств—творчеству.
За самоваром зритель может отчетливо рассмотреть лицо и фигуру второго участника чаепития, задумчивый вид которого свидетельствует о том, что собравшиеся за столом и видимые зрителю люди не единственные в этой комнате. Скорее всего имеется третий собеседник, рассказ которого они с большим вниманием и интересом собрались послушать. Но всё же какой-то лучик надежды на светлое будущее в нём есть. Вместе с тем это организация символического пространства, адресующая к восприятию любого фрагмента действительности с «планетарной» точки зрения. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства».
Горький, Шаляпин Ларионов, Гончарова «А сзади тех уже чертыхались братья Бурлюки и Маяковский и готовили желтые кофты футуризма для прогулок на Кузнецком мосту». Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты. Он еще мальчиком сделал удивительное «космическое открытие» — лежа как-то на спине на холме, высившемся над Волгой, увидел землю как планету.
Фольклор сохранил воспоминания о тех временах, главным образом — в сказках о животных. Ей было тогда семь лет. Они расположились на веранде. «Купание красного коня» (1912) — произведение, ставшее поворотным в творчестве Петрова-Водкина. Здесь, на этой выставке, Петров-Водкин познакомился с «центральными фигурами «Мира искусства» и был ими тепло и участливо принят». 1918 год в Петрограде.
Жалость выросла в — на всю жизнь — любовь к чистому, яркому цвету, «к полному непосредственному использованию живописи», локальным цветам, к радости чистого тона.
В эти же годы художник разработал основные принципы композиционного, перспективного и цветового построения своих картин. Но как привести всю эту красочную разорванность к единству формы. В то же время созревают идеи, приведшие Петрова-Водкина к созданию единственной в своем роде художественной системы. Устроители выставки поместили «Купание Красного коня» над входом — и ошеломляющее впечатление произвел он на ко всему привыкшую уже публику. Вскоре началась Первая мировая война и картина исчезла.
