Сидящая Купальщица Пикассо

Купальщица, сидящая на берегу моря

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Его живописные портреты начала 1920-х годов изящны и напоминают о графичности Энгра. В это время рождается серия «Мечты и ложь генерала Франко» (1937 г. ). Эрмитаж) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 («Портрет девушки», 1914, Париж, Нац. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Увлечение африканской скульптурой приводит его к основанию нового направления — кубизма.

Пабло Пикассо – не просто один из самых известных художников XX столетия. В этом произведении сочетается аскетизм Сурбарана и условность византийской иконописи. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. Это «Коррида» (1934, частное собрание), «Коррида.

Описание картины «Купальщица, сидящая на берегу моря»

Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935. В 1950 г. Пикассо был избран во Всемирный совет мира. Тема быков возникла в творчестве Пикассо во время двух поездок в Испанию: образ Минотавра возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году («Минотавромахия»). Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937).

В мастерской Пикассо полотно увидел Луи Арагон. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил это прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939, Нью-Йорк, Музей современного искусства), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938, Париж, музей Пикассо). По Делакруа» (1955) «Менины. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами (декорации и костюмы для «Треуголки», 1919) воскрешает в нем интерес к декоративизму и возвращает его к персонажам своих ранних работ («Арлекин», 1913, Париж, Нац. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве.

музей современного искусства, Центр Помпиду). Оба цикла посвящены теме трагического одиночества слепых, нищих, бродяг, романтической жизни странствующих комедиантов («Старый нищий с мальчиком», 1903 г. «Девочка на шаре», 1905 г. ). Но особенно сильны в этот период отказ от декоративного пыла и поиски новых выразительных средств. Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. Подобные приемы уже говорят о переходе художника к кубизму.

Пикассо Пабло «Сидящая купальщица»

В самом деле современники считали подобные произведения некими «черными иконами», которые, хотя и составлялись из обычных хозяйственных предметов, но существовали исключительно для потребности художника в самовыражении. Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года. Вершиной аналитического кубизма считается «Портрет Амбруаза Воллара» (1909–1910, ГМИИ, Москва).

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Голубь, который стал символом движения за мир (изображен на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). Среди них – Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937, Лондон, бывшее собрание Пенроуз). Франсуаз Жилло на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу «Жизнь с Пикассо».

Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Так возникает атмосфера уютной, наполненной светом комнаты. В 1936—1939 гг. Кажется, будто об этой картине Аполлинер писал в одной из своих поэм: «Маленький дух без признаков плоти — каждый подумал». Художника привлекает женская нагота, простая, как само понятие «женщина». В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.

Пикассо Пабло, картина Сидящая купальщица, 4860 см, на холсте, на узком подрамнике

Интересны импровизации художника на темы старых мастеров и картин, ставших классикой мирового изобразительного искусства: «Алжирские женщины» (по Делакруа, 1954–1955), «Менины» (по Веласкесу, 1957), «Завтрак на траве» (по Мане, 1959–1961), «Похищение сабинянок» (по Давиду, 1961–1962), «Турецкая баня» (по Энгру, 1968). Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный РейнВестфалия). Например, каждое из 58 полотен «Менин» (все — Музей Пикассо, Барселона) представляет собой моментальный снимок, остановившийся на миг в непрерывно меняющемся сознании кадр, а также каждый раз новое прочтение художником великого Веласкеса. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо.

Возращение к предметной живописи. Большое впечатление эта картина произвела на Владимира Татлина. Немецкая оккупация не могла, понятно испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. В 1907 году Пикассо создает большое панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. творчество Пикассо становится наиболее разнообразным.

Картина Купальщица, сидящая на берегу моря – Пикассо Пабло

Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. На сегодняшний день постоянная коллекция включает более 3800 работ.

Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Пикассо, как и прежде, предпочитал работать сериями: «Жаклин в профиль» (1959), «Художник и модель» (1963–1965), «Художник» (1964), «Мушкетер с трубкой» (1968). По Курбе» (1950, Базель, Художественный музей) «Алжирские женщины. Он испытывает влияние сюрреализма. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Музей Пикассо, Париж), состоящий из девяти рисунков.

После произведений голубого периода, картины розового периода представляют мир циркачей и бродяг (Семья акробатов с обезьяной, 1905, Гетеборг, Художественный музей Девочка на шаре, Москва, ГМИИ им. Кубизм. В 1917 Жан Кокто уговаривает Пикассо поехать с ним в Рим для исполнения декораций к балету «Парад» на музыку Эрика Сати для Сергея Дягилева. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).

Картина Сидящая купальщица, Пикассо, Пабло

Здесь нет места привычной для зрителя женственности. К тринадцати годам он уже освоил академическую программу. Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом и в гораздо меньшей степени – импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо («Танцовщица», 1901, Барселона, музей Пикассо). Типичным образцом подобных композиций можно назвать полотна «Ольга Хохлова» (1917, Музей Пикассо, Париж), «Сидящий Арлекин» (1923, Национальный музей современного искусства, Париж). Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на буржуазной Ольге Хохловой, успех художника в обществе – все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). Пикассо словно расширяет параметры этого спора. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

По Мане» (1960). Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»). Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков).

По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента. Среди самых красивых ранних натюрмортов художника – небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Так, осенью 1901 года Пикассо исполнил два знаменитых полотна — «Арлекин и его подружка» и «Любительница абсента». Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. С 1904 г. Пикассо почти постоянно жил в Париже.

Осенью 1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но кажется, не проникается ее идеями настолько, чтобы выражать их в своих крупных исторических произведениях, чего, вероятно, ждали от него его политические товарищи («Резня в Корее», 1951, Париж, музей Пикассо). Картина «Бойня» (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих («Женщина в кресле», 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931, Париж, музей Пикассо). Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И.

Пикассо Пабло, картина Сидящая купальщица

В этих работах впервые обнаруживается настроение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам и в частности Стравинскому, в период между двумя войнами: интерес к стилям прошлого, ставшим культурным «архивом» и необыкновенная виртуозность в их переложении на современный язык. музей современного искусства, Центр Помпиду). Таковы картины «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), «Гертруда Стайн» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938).

Одинаково показан поворот голов человека и животного, ритмы композиции синхронны. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Руки героини и, возможно, чересчур длинные хрупкие пальцы не нарушают гармонии облика. Каретников, вышедшая в 1967 году. Он размещается вготическом особняке Беренгера дАгилара (XVвек) наулице Монткада и славится своими старинными внутренними двориками.

Теме корриды был близок образ чудовищного Минотавра, в котором Пикассо видел воплощение подсознательных инстинктов человека и стихийных разрушительных природных сил (офорт «Минотавромахия», 1935, Музей Пикассо, Париж рисунки и гуаши с изображением Минотавра (1935–1936). В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). В 1930-х годах в творчестве художника появились мрачные, тревожащие мотивы, что было связано не только с событиями мировой истории, но и с перипетиями в личной жизни Пикассо. Он живет в Валлорисе (1948), затем в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене.

• Купальщицы, Пабло Пикассо, 1918
• Картина Купальщица (Пабло Пикассо): описание и история
• Картина «Купальщица» Пикассо – истоки кубизма
• Описание картины Пабло Пикассо «Купальщицы»
• Пикассо ПаблоКартины и биография
• Купальщица, открывающая кабинку
• «Сидящую женщину» Пикассо продали на аукционе за 63 миллиона долларов
• Самые известные картины Пикассо: большие деньги и важная социальная значимость

По Мане (1960). Такова «Компотница с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Эти картины сопровождали Пикассо на протяжении всего творческого пути. Классические мотивы претерпевают под кистью художника экспрессивные деформации. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). В 1944 г. художник вступил в ряды Французской коммунистической партии. Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты.

В феврале 1908 Пикассо вел небольшой этюдный альбом (Carnet 14. Испанец по происхождению. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Живописи учился сначала у своего отца X. Руиса, затем в школах изящных искусств: в Ла-Корунье (1894 – 1895 гг. ), Барселоне (1895 г. ) и Мадриде (1897— 1898 гг. ). Со второй половины 40-х гг.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы. Гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия и Аристофану свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), оказался, вероятно, наиболее действенным проявлением политических убеждений художника. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Город, в котором сохранились уникальные памятники старины истории, город с двумя тысячами жителей в одну ночь был превращен в руины.

• «Сидящую женщину» Пикассо продали за рекордные 13, 4 миллиона долларов
• Пабло Пикассо: краткая биография
• Указывать местоположение в твитах
• Другие картины художника – Пабло Пикассо
• Послевоенное творчество Пикассо
• Перечень картин соответственно периодам творчества Пикассо
• Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)
• Работы «голубого» периода (1901-1904)

Но отказ от декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к «примитивизму», чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении всей своей творческой карьеры. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Их челюсти злобно оскалены, а острые конечности угрожающе вскинуты вверх. Родился в Малаге 25 октября 1881 года.

Мир балета не мог не оказать влияния на дальнейшее творчество художника. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Картину «Пикадор» он написал в восемь лет, которую впоследствии хранил у себя на протяжении всей жизни. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

1. Работы «розового» периода (1904 — 1906)
2. Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)
3. Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)
4. Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
5. Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

Это сгусток боли и страданий. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Персонажи этих полотен изображены за столиком в кафе.

Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). музей современного искусства, Центр Помпиду). Пришедший к власти Франко отменил ее.

1. Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)
2. Работы военного времени (1937-1945)
3. Работы послевоенного периода (1945 — 1960)
4. Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
5. Фотографии музея Пикассо в Париже
6. Блистательная «десятка» картин Пикассо

он начинает экспериментировать с фактурами используя в произведениях обрывки газет, кусок скрипки и т. д. Коллаж «Бутылка аперитива» (1913 г. ) и композиция «Три музыканта» (1921 г. ) завершают период кубизма и в творчестве Пикассо возникают неоклассические тенденции. Образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет тему картины «Герника», самого знаменитого его произведения, которое он пишет вскоре после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему «Герники», самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького басского городка и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет.

Пикассо вслед за Бодлером хочет «воспеть славных псов которых всякий гонит от себя, как заразу, кроме бедняка, цыгана и уличного акробата, которому они сотоварищи и поэта, который смотрит на них взглядом собрата». Пикассо разлагает предмет на составные геометрические элементы, оперируя комбинациями ломающихся плоскостей и громоздящихся объёмов, превращая реальность в игру отвлечённых деталей («Дама с веером», 1909 г. портрет А. Воллара, 1910 г. ). По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. Тема быков возникает в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 («Минотавромахия»).

1. В Центральном выставочном зале в Перми проходит выставка «Саквояж»
2. В Лувре нет средств для проведения выставки Джефа Кунса
3. Спустя 10 лет после отмены принято решение вернуть премию имени Эдварда Мунка

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Сейчас полотно хранится в музее Чикаго.

Смерть тореро» (1933, Музей Пикассо, Париж). Своими ритмическими красочными сочетаниями и остротой колористических диссонансов они вызывают ассоциации с джазовыми импровизациями. XX в. Пикассо создаёт также множество рисунков, на которых представлены образы людей из народа («Рыбак», 1918 г. «Отдыхающие крестьяне», 1919 г. ). Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев – Гойи, Хемингуэя. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика это было задание, на которое отводился месяц). В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. К концу 1908 года настроение «скорби последних дней» сменяется ясной созерцательностью. Первые его значительные произведения относятся к 10-м гг. С 1905 и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах («Шут», 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода («Мальчик, ведущий лошадь», Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Она известна именно своей исключительной социальной значимостью, а выражение «голубь мира» стало нарицательным. В это время самыми крупными его работами являются «Мастерская в Калифорнии» (1956, Музей Пикассо, Париж), «Весна» (1956, Национальный музей современного искусства, Париж), «Бухта в Канне» (1958, Музей Пикассо, Париж), «Утренняя серенада» (1965, Малый дворец, Женева), «Кавалер с трубкой» (1970, Музей Пикассо, Париж). Это было время, когда планета начала приходить в себя после разрушительной Мировой войны. Информация о Пикассо постоянно всплывает благодаря двум причинам.

В 1900 году художник посетил Париж — столицу искусства — и жил попеременно то в Париже, то в Барселоне до 1904 года, после чего принял решение переселиться в Париж окончательно. Она представляется своеобразным воплощением мирового зла с его алхимическим атрибутом — зловещим эликсиром, вызывающим галлюцинации, который поблескивает на дне рюмки. Купанию", по-видимому, предшествовал рисунок Купальщицы" (1908, Музей Пикассо, Париж), манеру которого можно определить как более реалистическую. Таковы «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж).

Все это проявилось в многочисленных литографиях (ок. По Делакруа (1955) Менины. Основой мотив автор выбирает обнаженных женщин на фоне природы. В работах послевоенного времени преобладают антивоенные сюжеты («Голубь мира», 1947 г. панно «Мир» и «Война», 1952 г. ). По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над «Авиньонскими девицами» (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной очень сложной, в которой сочетаются различные влияния – Сезанна испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма («Танец с покрывалами», 1907, Санкт-Петербург, Гос. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве.

«Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Пишет Пикассо и свои излюбленные натюрморты с гипсовыми античными слепками, которые кажутся героями классических драм в модернизированных постановках («Натюрморт с античной головой», 1925, Национальный музей современного искусства, Париж «Мастерская с гипсовой головой», 1925, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Многие поклонники творчества Пикассо очень высоко ценят именно эти произведения живописца. А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени («Любительница абсента», 1901, СанктПетербург, Гос. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956).

Эти образы сами по себе являются протестом против безжалостной агрессии. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. В 1907 г. Пикассо создал полотно «Авиньонские девушки», ознаменовавшее решительный разрыв с реалистической традицией и переход в лагерь художников исповедующих авангардизм. В это время Пикассо увлекается натюрмортами и наделяет их глубоким философским значением.

Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. Он свободно меняет пропорции и ракурсы, в результате чего большие фигуры оказываются расчлененными на отдельные фрагменты («Женщины, бегущие по пляжу», 1922 «Флейта Пана», 1923, обе — Музей Пикассо, Париж). Ранняя форма кубизма (1908–1912) называется аналитической. Оно словно является откликом на стихотворение Бодлера: «Я воспеваю грязного пса пса-комедианта». После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов.

Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель, 1923, частное собрание) и сына («Поль в костюме Пьеро», Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когдалибо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. Цветовая гамма в основном серая, зеленая, охристая. Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Именно здесь начинается его настоящее художественное образование, несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился, поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше («Мужчина в фуражке», 1895).

Однако затем вэкспозиции музея наступает долгий перерыв в40 лет— досерии из44 картин «Менины», знаменитой интерпретации работы Веласкеса. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Со второй половины 30-х гг. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932, частное собрание). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Контакты с сюрреализмом.

«Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. 1897 год – начало обучения художника в Королевской академии изящных Искусств Сан-Фернандо. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский штрифт, элементы «обманок» и грубые материалы – обои, куски газет, спичечные коробки.

Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином ит. п. — атрибутами, присущими образу жизни художественной богемы начала века. Это на самом деле поразительно. В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна.

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Интересны композиции «Три музыканта» (1921, Музей современного искусства, Филадельфия) и «Танец» (1925, Галерея Тейт, Лондон), где накладываются одна на другую цветные плоскости.

Картина «Бойня» – последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 года он вступает в коммунистическую партию. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Между 1900 и 1902, Пикассо совершил три поездки в Париж и окончательно обосновался там в 1904.

Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы («Портрет Фернанда Оливье», 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910, Художественный институт). В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. В большинстве они представляют первые наброски фигур Купания". Букет возвышается на комоде с выдвижными ящиками, словно на пьедестале он живет своей динамичной жизнью — во все стороны направлены цветочные глаза, уши, жесты листьев, особенно красноречивые на фоне суровой сдержанности чисто испанского фона. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт». Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932).

Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Уже тогда он для своего имени он сделал выбор в пользу фамилии матери, а фамилия отца (Руис) ему казалась недостаточно звучной.

Создавая «Гернику», Пикассо писал множество отдельных мотивов и сюжетов этой композиции в виде небольших рисунков и картин. «Портрет Абруаза Воллара» недаром всегда называли шедевром психологического реализма. Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе «Четыре кота», заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. «Пассеистический по замыслу», как говорил Лев Бакст, занавес для «Парада» отмечает возникший еще в 1915 («Портрет Воллара», рисунок) возврат к реалистическому искусству, к изящному и тщательному рисунку, часто «энгристскому», к монументальности форм, навеянной античным искусством («Три женщины у источника», 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). В 1950–1960-е годы мастер продолжал активно работать. Все в этих композициях символично. В этом году словно произошло перерождение Пикассо.

Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Мотивом для серии Купальщиц послужил символ первозданности и естественности. Абсолютно другим художник предстает после написания «Авиньонских девушек» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

В 10—20-х гг. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932).

Здесь есть картины, относящиеся к «Голубому периоду», школьные и академические работы. Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902 и окончательно в 1904. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды». Здесь художник «нащупывал» свой новый стиль. «Герника» – это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник.

Не оставлял художник и манеры кубизма. гал. ). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходной картине («Менины», 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Первый листок (4R) содержит только дату 8 Fevrero (8 февраля), что позволяет очень точно обозначь точку отсчета в создании Купания". Это выражается то с оттенком народной грубоватости («Флейта Пана», 1923, Париж, музей Пикассо), то в своего рода буффонаде («Две женщины на пляже», 1922, там же).

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Умер 8 апреля 1973 г. в Мужене. В 1906 году лирический «Розовый период» сменяется монументальностью и обобщенностью мощных форм. По Мане» (1960).

Пикассо использует колорит, основанный на теплых, почти солнечных оттенках. В коллекции есть портреты и картины более позднего периода творчества. На международных аукционах произведения из этого цикла продавались за баснословные суммы. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали.

Появляется «кубистическая тайнопись» : зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. По Делакруа» (1955) «Менины. В «Авиньонских девушках» Пикассо смело использует резкие деформации и жесткие изломы.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Замечателен натюрморт Пикассо «Букет цветов в сером кувшине и рюмка с ложкой», где пышный букет напоминает о полотнах Руссо Таможенника: такая же вызывающая экзотичность и таинственность. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Панно вытянуто в длину и построено как триптих.

После освобождения. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Это произведение «Голубого периода» передает испытываемое человеком острое одиночество во враждебном мире, где на искреннюю любовь способны только матери, дети и животные. А. С. Пушкина «Семейство комедиантов», Вашингтон, Нац. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник.

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Художник никогда не имел заранее намеченного плана. Эрмитаж) искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами. Кубизм.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). его творчество всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий («Плачущая женщина», 1937 г. «Кот и птица», 1939 г. ). XX в. Картины «голубого периода» (1901—1904 гг. ) написаны в сумрачной гамме голубых, синих и зелёных тонов. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942, Париж, Нац.

Эрмитаж). Это — каминная полка, где расположена сама компотница и визитная карточка художника. В палитре мастера преобладают голубые оттенки. «Герника» – пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры.

Он подходил к холсту или листу бумаги и немедленно начинал на нем импровизировать. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956, Париж, музей Пикассо). Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Помимо станковых живописных произведений, в которых художник возвращается к античным мотивам или пародирует картины старых мастеров (например, «Менины» Д. Веласкеса), он работает и как скульптор («Человек с ягнёнком», бронза, 1944 г. ), керамист (около 2000 изделий), график.

Первые выставки у художника прошли еще в 1900 году. В работах «розового периода» (1905—1906 гг. ) преобладают розово-золотистые и розово-серые оттенки. Идея картины навеяна Купальщицами" Сезанна и входит в цикл работ изображающих обнаженных женщин под открытым небом: Три обнаженных женщины", Купальщицы в лесу" и Дружба" (ГЭ).

XX вв. Талантливый молодой художник в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена («Жизнь», 1903, Кливленд, музей), Каррьера («Мать и дитя», 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов («Облокотившийся Арлекин», 1901, частное собрание), а также греческого искусства («Водопой», сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций («Старый гитарист», 1903, Чикаго, Художественный институт «Портреты госпожи Каналье», 1905, Барселона, музей Пикассо). Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Яков Тугенхольд так сказал об одном из натюрмортов Пикассо: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина». Здесь зритель видит наклеенный в центре кусок бумаги, который изображает фарфоровую компотницу с виноградной гроздью и грушей снизу приклеена выкройка из серой бумаги с мраморной текстурой. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». После произведений «голубого» периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди («Гладильщица», 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма «Скудная трапеза», офорт, 1904), картины «розового» периода представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», 1905, Гетеборг, музей «Девочка на шаре», Москва, Музей изобразительных искусств им.

Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо – это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891 и, наконец, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло. В это время направление серии купальщиц развивается в мотиве картины 1918 года. В 1955 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Своих купальщиц художник рисовал год за годом. Все авторские права на произведения принадлежат авторам и охраняются законом.

Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно «Герника» (1937 г. ). В этих работах Пикассо впервые обнаруживается настроение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам в период между двумя войнами: интерес к стилям прошлого, ставшим культурным архивом и необыкновенная виртуозность в их переложении на современный язык. Так назвал картину сам автор, хотя во всём мире она известна под названием «Голубь мира». После эпикурейского изящества 1920-х («Танец», Лондон, гал. О художнике Пабло Пикассо слышали даже люди, практически не интересующиеся живописью.

Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале) сюда вошли работы, переданные наследниками художника, – более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма. Пикассо считал – «кто грустен, тот искренен».

Замечательно полотно «Мальчик с собакой» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару. Основы мастерства художника еще в детстве Пикассо получил от своего отца. В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – «Конструкция», 1931). Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931).

Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Важнейшие среди них — это две первые крупные работы художника: «Первое причастие» и «Наука и благотворительность».

В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти произвольно («Гитара и скрипка», 1913, Филадельфия, Музей искусства, собрание Аренсберга Санкт-Петербург, Гос. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Натюрморты этого времени легки и образуют несложную композицию («Горшок, рюмка, книги», Эрмитаж, Санкт-Петербург).

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. С середины 10-х гг.

---