Пикассо Живопись

С середины 50-х Пикассо обращается к вариациям на тему классических живописных работ. Пабло Пикассо – испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.

В 1954 году Судьба свело Пабло Пикассо со своей последней спутницей, которая под конец великого живописца станет его супругой. Пикассо очень много работал и будучи в тандеме с Джорджем Браком основал так называемый стиль живописи – кубизм. Пикассо, Анри Матисс и Марсель Дюшан считаются тремя художниками, которые наиболее точно охарактеризовали революционные события в пластических искусствах в первых десятилетиях XX века, а также ответственны за значительное развитие живописи, скульптуры, гравюры и керамики. Девочка на шаре – эту картину, написанную Пикассо в 1905 году, специалисты в живописи относят к переходному периоду в творчестве художника – между голубым и розовым. Пикассо, ПАБЛО (Picasso, Pablo) (1881–1973) – французский живописец испанского происхождения.

Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо

Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента. Среди самых красивых ранних натюрмортов художника – небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». «Голубая обнаженная», как можно легко догадаться уже по названию и одному взгляду на нее, относится к голубому периоду творчества мастера.

Согласно испанской традиции Пикассо получил две фамилии по первым фамилиям родителей: отца— Руис и матери— Пикассо. После реставрации картина была выставлена на аукцион «Кристис», где 27 марта 2013 года её всё же приобрёл Коэн уже за 155 миллионов долларов. Первое, что он воскликнул, когда Пикассо привел ее в гости: «Дорогая, если бы я рисовал ваш портрет, волосы были бы зелеными».

Пабло Пикассо – биография, факты, картины – великий испанский художник

Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. Вот Мария-Тереза открывает своим ключом домик художника (ключ всегда прописывался достаточно четко) играет с мячом на пляже, забавляется с друзьями.

Спасти Паблито не удалось. Его похоронили в той же могиле на кладбище в Канне, где покоится прах Ольги. 6 июня 1975 года от цирроза печени умер 54-летний Поль Пикассо. Его двое детей – Марина и Бернар, последняя жена Пабло Пикассо Жаклини еще трое внебрачных детей – Майя (дочь Мари-Терез Вальтер), Клод и Палома (дети Франсуазы Жило) – были признаны наследниками художника. Начались долгие баталии за наследствоМарина Пикассо, унаследовавшая знаменитый особняк деда «Резиденция короля» в Канне, живет там со взрослыми дочерью и сыном и тремя усыновленными детьми-вьетнамцами. Она не делает между ними никакого различия и уже составила завещание, по которомувсе ее огромное состояние после кончины будет поделено на пять равных частей. Марина создала носящий ее имя фонд, который построил в пригороде Хошиминадеревушку из 24 домов для 360 вьетнамских сирот. Инструмент он подчеркнул другим цветом в мире грязно-голубого: оттенка, характеризующего бедность и отсутствие надежд. По Мане (1960). Наказания удалось избежать исключительно благодаря влиятельным друзьям.

1. Галерея работ Пабло Пикассо по периодам
2. ТОП-10 Самые известные картины Пабло Пикассо
3. САМЫЕ ДОРОГИЕ КАРТИНЫ ПАБЛО ПИКАССО
4. Биография Пабло Пикассо и описание его картин
5. Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника
6. Пикассо ПаблоКартины и биография
7. 10 самых дорогих картин Пикассо

Фамилия Пикассо по матери, под которой художник получил известность имеет итальянское происхождение: прадед матери Пикассо Томмасо переехал в Испанию в начале XIX века из местечка Сори в провинции Генуя. Очень скоро родился знаменитый образ «женщины-цветка» — именно так художник видел свою новую музу. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж.

Если бы не курение дяди, Пабло Пикассо мог бы вообще не появиться на свет. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Взлет был спровоцирован и произошел после продолжительной депрессии, вызванной смертью близкого друга Карлоса Касагемаса. "Мать и дитя" (1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени.

непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: «Это вы сделали.

Пабло Пикассо – не просто один из самых известных художников XX столетия. К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). В итоге Лео Стайн переехал в Италию.

• Персоны и личности (интересное о известных)
• Творчество и жизнь ПаблоПикассо
• Пабло Пикассо, художник, картины с описанием, биография
• Пабло Пикассо: интересные факты о жизни и творчестве
• Самые известные картины Пикассо
• Пабло Пикассо: немного удивительных фактов
• Пабло Пикассо «Маленькая сидящая обнаженная»

К тому же, его картины не покупали. В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам. В искусстве столь крутой поворот нуждался не только в творческой энергии.

В композициях появляется кубистическая тайнопись: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков.

Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора. За закрытыми дверьми он повторял: «Приходите завтра или, лучше, через месяц», а при всех похлопывал незадачливого дилера по плечу, делая вид, что сделка состоялась. Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния.

В 1953 года Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо».

Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. «Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». В центре его треугольник, вершиной которого является светильник.

Его гражданская позиция совершенно ясна. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги.

По Делакруа (1955) Менины. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах.

Пикассо – истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде. Вначале таким отдельным от всего остального предметом становится голова. Он часами заставлял своих покупателей ждать в приемной и, пока чинный дворецкий утверждал, что «мсье очень занят», сам наотрез отказывался вылезать из кровати.

• Последняя картина Пабло Пикассо «Лежащая обнаженная и голова»
• Пабло Пикассо «Автопортрет, 28 июня 1972»
• Биография великого испанского художника
• Обнаженная, зеленые листья и бюст
• ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИПАБЛО ПИКАССО
• Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)
• Работы «голубого» периода (1901-1904)
• Работы «розового» периода (1904 — 1906)
• Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью.

Хоть впечатление от этого творения весьма тягостное, нельзя не отметить великолепно подобранную цветовую палитру: контрастные цвета выражают внутреннюю борьбу героини, ее борьбу с внешним миром, противоречия, сложности, возникающие на пути. Появляется «кубистическая тайнопись» : зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Таков язык Пикассо. Самая ранняя картина Пабло Пикассо – Пикадора, которая была написана в 8 лет. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш».

Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. «Герника» – пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. Апокалиптическим чудовищам преграждает путь фигура Мира со щитом, на котором изображен голубь.

• Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)
• Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
• Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)
• Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)
• Работы военного времени (1937-1945)
• Работы послевоенного периода (1945 — 1960)
• Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
• Где родился Пабло Пикассо: первые шаги гения

Вдохновением для нее послужило самоубийство друга художника, Карлоса Касагемаса. Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму.

Его предки были незначительными аристократами. С творчеством импрессионистов Пабло познакомился позднее, после того как уехал в Париж. Фигура составлена из нескольких самостоятельных объемов: голова (шар), руки (прямоугольник), спина (треугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы ноги.

«Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.

Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. Трагическая античная маска со светильником, врывающаяся в этот хаос, кричащая от боли и ужаса, не случайно воспринимается как символ музы художника. Первая выставка работ произошла в Барселоне в июне 1989, в кафе «Els Quatre Gats». Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

1. Пабло Пикассо: последние новости
2. Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
3. Пабло Пикассо: произведения «розового» периода
4. Как на самом деле выглядели женщины с картин Пабло Пикассо
5. Пабло Пикассо картины с названиями и годы написания картин
6. Поиск по фамилиям или направлениям

Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, когда художник возвратиться. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе.

Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Идея подарить Франсуазе зеленые волосы принадлежала Матиссу. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. Незадолго до смерти отличавшийся пророческим даромхудожник сказал: «Моя смерть станет кораблекрушением. Когда погибает большое судно, все, что находится вокруг него, затягивается в воронку».

1. СТИЛИ В ЖИВОПИСИ В АЛФАВИТНОМ ПОРЯДКЕ
2. 35 интересных фактов о выдающемся художнике Пабло Пикассо
3. Гениальный человек, всегда загадка
4. 10 лучших книг Константина Станиславского

Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор». По Мане» (1960). Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе. Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен.

Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. В работы мастера приходят новые оттенки: светло-розовые, красные, серовато-жемчужные, воздушные, что отличает новый период от предыдущего (голубого). Переполненный отвращением к войне, художник написал гигантское обвинение фашизму: так родилась на свет «Герника» (Guernica), картина тираническая, пугающая и многословная.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Мать и сын», «Девочка с козлом». В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1718. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Женщина с пучком волос, 1903 Пикассо считал— кто грустен, тот искренен) движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя (Любительница абсента, 1901 Женщина с шиньоном, 1901 г Свидание, 1902 Нищий старик с мальчиком, 1903 Трагедия, 1903). Пикассо словно расширяет параметры этого спора. Это — боль.

• 10 правил этикета, которые могут сбить нас с толку в других странах
• 10 вещей, которые нельзя говорить и делать в России
• 10 странных запретов, которым должна следовать девушка, если она вынашивает наследника британского престола
• 10 лучших композиторов мира по версии

Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. Так же не колористическая или психологическая, но сугубо пластическая интерпретация модели сохраняется и тогда, когда Пикассо, после знакомства с Ж. Кокто и С. Дягилевым (1915) и работы над декорациями и костюмами к театральным постановкам Парад, Русский балет (1916–1919), вступает в новый, так называемый неоклассический период. Только позже, после смерти Пикассо, когда остальная часть мира искусства перешла на абстрактный экспрессионизм, создав критическое сообщество, они увидели, что Пикассо уже открыл неоэкспрессионизм и был, как и раньше, впереди своего времени. Техника соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости (Гитара и скрипка, 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 (Портрет девушки 1914). Согласно одной из версий, первое слово, которое он произнёс, было PIZ, сокращенное от LAPIZ (карандаш по-испански). Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой.

Общеизвестная картина Пикассо «Три музыканта» написана в стиле кубизма. А она пытается проникнуть в него. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве.

• 10 невероятных архитектурных шедевров со всего мира
• 10 самых посещаемых музеев мира
• 10 самых необычных и сумасшедших праздников в мире
• 10 самых дорогих картин мира, которые были украдены

Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Панно вытянуто в длину и построено как триптих. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров.

Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся16. Хохлова ввела Пикассо в высшее общество, формальные ужины и все сопутствующие социальные тонкости жизни богатых в Париже1920-х годов. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна.

К этому рисунку намного больше подходит название живописного полотна «La Douleur» (боль, агония). В 1905–1906 Пикассо отдавал много времени изучению архаики. «Старый гитарист».

Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано». Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев – Гойи, Хемингуэя. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика это было задание, на которое отводился месяц). Мадрид хранил много других достопримечательностей. В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале 20 в. в центре искусства, литературы, философии идеологии.

Как участник Международного движения в защиту мира, он делает литографические эстампы плакатного характера на самые волнующие темы современности. В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна. «Герника» – это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). «Девочка на шаре», написанная в 1905 году, одна из самых легендарных картин Пикассо относится к началу розового периода творчества художника, совпадающего с его переездом в Париж.

Пришедший к власти Франко отменил ее. Пикассо считал – «кто грустен, тот искренен». Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы (Утренняя серенада, 1942). Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом.

На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения. В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. Богинями они оставались даже иногда пережив не одну пару ночей с Пикассо.

Именно в этом городе он увлекся керамикой. В течение 1893 года пропадает незрелость его самого раннего творчества и в 1894 году он, можно сказать, начинает свою карьеру художника. Именно так Пикассо не рисовал больше никого.

И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956). При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом».

Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой". Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас, – сказал он в ярости. Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем.

Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т. п. ) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями. Это было стремление, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду». Неуклюжее тело, деформированное и короткое (автопортрет Пикассо. ), влилось в женщину. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Оба часто спорили.

С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году.

По Курбе, 1950 Алжирские женщины. Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».

В 1970 году, после смерти Сабартеса, Пикассо в знак своей любви к городу отдал в музей около 2450 работ (полотен, гравюр и рисунков) и 141 работу из керамики. Живопись начала 20-х – такие картины, как Женщины, бегущие по пляжу, Флейта Пана, Портрет Ольги Хохловой, построены на контрасте холодного (синего, голубого) и теплого (красного, коричневого, терракотового) тонов. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность (Рыбная ловля ночью на Антибах, 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов (Майя и ее кукла, 1938). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период (Девушка перед зеркалом, 1932).

Перелом происходит в 1906. Пожалуй, еще ни один женский образ не был так изуродован, как в серии «Плачущая женщина», где отвращение к Доре и к войне слились воедино. Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. Произведения, созданные в 1944-1945 года, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни).

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Отец и дядя Пикассо решили отправить молодого художника в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, которая считалась передовой художественной школой страны. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц.

Их удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году.

Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным. На момент поступления Пикассо было только 13 лет.

В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). У них рождается сын Поль (4 февраля 1921 года). Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо.

В конечном счете его знают по самому первому и последнему. Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами (Плачущая женщина, 1937).

Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм. Музей Пикассо в Барселоне. В палитре мастера преобладают голубые оттенки.

Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ("Свидание" 1902). Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником.

Вот таким образом он отказывал в визитах как конкурентам, так и друзьям. Однако же, ничего не продавал. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). О Пабло Пикассо слышали все. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве.

(Впервые это появляется в портрете Гертруды Стайн. ) Самостоятельной, отдельной от тела жизнью живут почти все мужские головы подготовительных этюдов. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— Конструкция, 1931). В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента».

Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»). Все это взывает к сюрреалистическим, биоморфным мотивам. Герои—это бедные дети и матери, старики.

Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль. Это — страсть, граничащая с отчаянием.

Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. Это сгусток боли и страданий.

Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее. Голубой период. Образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет тему картины «Герника», самого знаменитого его произведения, которое он пишет вскоре после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков. Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов.

». В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции. Начало оживления жизни. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. Период этот длился до 20-х годов.

После обстоятельного анализа фактического материала, связанного с открытием африканской культуры, нельзя не признать значения примитивного искусства для инноваций в творчестве Пикассо, ведущих к разрыву с классической традицией. Это всё про Пабло Пикассо. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди.

Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад.

Его имя до сих пор вызывает множество пересудов, благодаря яркой жизни и такому же творческому наследию. Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в в 1903-1904 годах. Конечно, Пикассо это всячески отрицал. И деформация, к которой прибег Пикассо имела глубокое обоснование.

Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. Конец 20-х – начало 30-х годов для Пикассо – период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931 к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925 "Фигуры в красном кресле", 1932). В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан.

Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929), орущих (Женщина в кресле, 1929), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931). Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной.

Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные помпейским стилем (Женщина в белом, 1923), многочисленные портреты жены (Портрет Ольги, 1923) и сына (Поль в костюме Пьеро) являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. Картина «Бойня» – последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 года он вступает в коммунистическую партию. Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам. Данная картина является ярчайшим тому примером.

Не только фактически, но и символически гитара заполняет все пространство вокруг старика, который, кажется, не обращая внимания на слепоту и бедность, полностью отдался музыке. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма. В другом случае нужно было бы сказать – образа мира. Всегда и во всем он должен был быть единственным. Как часто это бывало раньше, все изменила женщина.

В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами. Кубизм. А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Он не выносил бездарных людей так же, как талантливых. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску.

К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже). Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски. Казалось бы, кубизм абсолютно не уместен там, где нужно изобразить гибкие женские тела, но Пикассо удается сделать это так, что никакого диссонанса при взгляде на холст не чувствуется. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара.

«Дора Маар с кошкой». Учился рисовать Пикассо у своего отца, который был учителем рисования. Лицо изображенное одновременно и в профиль и анфас с деформированными носом, ртом и глазами, нельзя назвать красивым, но сложно забыть. Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после Парада (декорации и костюмы для Треуголки Мануэля лде Фальи, 1919). С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история.

В 1955 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против». Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода.

Не удостаивал вниманием равнодушных с той же миной, что и поклонников. Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. Панно размером 3, 5 метра в высоту и около 8 метров в длину художник исполнил за невероятно короткий срок – меньше чем за месяц. Это был серьёзный удар для Пикассо.

Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо. В натюрморте Пикассо использует музыкальную метафору, согласно которой струнные инструменты являлись символом совершенства искусства. Сделка не состоялась, так как Винн, страдающий заболеванием глаз и плохо видящий, неловко повернулся и проткнул холст локтем. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей.

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты. По Делакруа» (1955) «Менины. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы. «Все имеют право меняться, даже художники, »—острил сам Пикассо по этому поводу. После эпикурейского изящества 1920-х (Танец) Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны.

Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что надлежащее обучение требует строгого копирования мастеров и рисования человеческого тела с гипсовых слепков и живых моделей. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. В 2006 году владелец казино Стив Винн, купивший в 1990-х годах за 48, 4 миллиона долларов картину Пикассо «Сон», согласился продать этот шедевр кубизма за 139 миллионов американскому коллекционеру Стивену Коэну. В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу.

Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило. Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Быстро взять Париж ему не удалось. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление.

На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. В этом кафе пройдёт его первая выставка.

После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Фигуры массивны, тяжеловесны, лепка их нарочито огрублена. Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. «В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново.

В 1907 году Пикассо создает большое панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. Его сопровождают пляшущие призраки. 9 мая 1963 года в готическом дворце Беренгер де Агилар открылся музей под названием «Коллекция Сабартеса». «Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques». Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару.

С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков). Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. Многие его произведение получили место в рейтинге самых дорогих картин в мире. Высокий уровень условности в работах Пикассо – результат все более глубокого изучения натуры и ее пластического осмысления.

В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи». Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества.

Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма. Можете забрать на память».

С 1926 года она хранится в Чикаго.

Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Это — любовь. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано12 (Криспиниано13) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям.

Франсуаз Жилло на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу «Жизнь с Пикассо». Тема абсента звучит во многих картинах. Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города. Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года.

Событие это потрясло Пикассо. В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»). Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу. «Нет, — ответил художник, — это сделали вы. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

Пикассо и молодая художница Франсуаза Жило познакомились в 1943 году. Но такие примеры в творчестве Пикассо единичны. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность.

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты (Мандолина и гитара, 1924). Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Он откликался на все актуальные события времени. Она была на 40 лет моложе его. К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн.

Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. Каретников, вышедшая в 1967 году. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. Богини по Пикассо — женщины первого этапа, первой влюбленности.

Дело дошло даже до потасовки. Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки (Фабрика в Хорта де Эбро, 1909), увеличивает и ломает объёмы (Портрет Фернанды Оливье, 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910). Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. Здесь он учится в местной школе искусств (1894 – 1895).

Она оставила его на столе и пошла сообщить матери плохую новость. Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Важны только находки.

Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1935) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). Однако к творчеству Пабло Пикассо известные картины которого украшают самые лучшие музеи и галереи мира, такой подход можно назвать весьма условным. Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств).

Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Произведение переходного периода— от голубого к розовому— Девочка на шаре (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка. Но и не более того.

В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. Франсуазу Жило, родившую Пикассо сына Клода и дочь Палому (ныне одного из самых знаменитых модельеров мира), когда та заболела, он методично добивал, повторяя: «Ненавижу больных женщин. ». Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе.

Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, страх перед войной и фашизмом, художник не выражал прямо, но придавал своим картинам тревожную тональность и мрачность. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. "Я не всегда работаю с натуры, но всегда в соответствии с натурой", – говорил некогда художник.

Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. Он сам назвал случившееся «самым неуклюжим и глупым жестом в мире».

В конечном итоге созданный им же самим стиль кубизм перестал постепенно вдохновлять художника и интересовать, открыв дорогу новым веяниям в творчестве. Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше). И оставил работу над портретом».

Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Этой любви, самой чувственной в его жизни, он обязан созданием своих лучших шедевров, таких как «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur), «Сон» (Le Rve), «Чтение» (La Lecture). Изгнание из рая, с подиума, вычеркивание из списка обожаемых и почитаемых.

Громадная композиция (28кв. м. ), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник". Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером. Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. В них — очарование и шарм, они соблазнительны и таинственны.

А он творил более 70 лет. Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации». Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов (Семья акробата с обезьяной, 1905). Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 (Три музыканта, 1921).

Художник огромного дарования и неустанного творческого труда, проживший долгую жизнь, Пабло Пикассо, как всякий новатор, вызывал различное к себе отношение и разные оценки, от признания его гением до полного отрицания его творчества. », на что тот ему ответил: «Это сделали вы. Звали его Хосе Руис. Теперь он начинает жить какой-то своей собственной, отдельной жизнью.

«Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. К концу 30-х Европа была окутана предвоенными настроениями, повсюду вспыхивали вооруженные конфликты, маленькие города то и дело оказывались под обстрелами. В 50-е – 70-е годы Пикассо работает в разных видах искусства и в разных жанрах, в самых различных техниках: картины, скульптуры, монументальные росписи, керамика, рисунки иллюстрации, литографии, офорты, – трудно назвать область, в которой он не проявил бы себя за последнее двадцатилетие его долгой, творческой жизни.

Ей была уготована роль любовницы, а в 1930 году художник купил замок в Нормандии, который для нее стал домом, а для него – мастерской. Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды». В "Девочке на шаре" (1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины).

«Голубая обнаженная» — эту картину можно отнести к самым общеизвестным холстам Пикассо, несмотря на то, что она является одним из ранних его полотен (1902 год). Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) – знаменитый испанский художник, вместе с Ж. Браком является основателем течения "кубизм" в живописи. Тема быков возникла в творчестве Пикассо во время двух поездок в Испанию: образ Минотавра возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году («Минотавромахия»). Новорождённый скорчил гримасу и зашёлся в плаче.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Голубь, который стал символом движения за мир (изображен на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника.

Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо». Произошло именно так, как он намечал. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или так как простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность (Зеркало, 1932).

Самые узнаваемые произведения Пикассо – по большей части, те, что написаны в голубой период творчества. В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником как символом надежды. Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике".

В 1900 году Пикассо совершил свою первую поездку в Париж, позже художественную столицу Европы. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо.

Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942). С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже.

Так и произошло. От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры (Авиньонские девицы, 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к совершенно новому жанру. Это полотно было создано в Мадриде и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Но стоило им забеременеть, заболеть или предъявить претензии, как следовало их немедленное «увольнение».

Считается, что в это время Пикассо еще не был знаком с африканской скульптурой. Его семья была среднего класса. Это панно стало главным событием международной выставки. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы. Гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия и Аристофану свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. Однажды увидев репродукцию «Герники», гестаповцы спросили: «Это вы сделали. ».

---