Натюрморт Пикассо

О великолепных фигуративных работах Пикассо периода классицизма и его новых кубистских натюрмортах с вином — в следующем посте. Но хочется заострить свое внимание на картине Пабло Пикассо «Натюрморт» 1945 года. Картина Пабло Пикассо Натюрморт с тюльпанами продана за 41, 5 млн долларов на аукционе импрессионистов и современного искусства Sothebys в Нью-Йорке.

Но хочется заострить свое внимание на картине Пабло Пикассо «Натюрморт» 1945 года. Картина Пабло Пикассо Натюрморт: описание, биография художника, отзывы покупателей, другие работы автора. В этот период Пикассо создал «Натюрморт с порроном» (1906, Санкт-Петербург, Эрмитаж), где представил четыре непритязательных предмета крестьянского обихода — два стеклянных и два глиняных. В этом натюрморте Пикассо показал насколько близко он чувствовал Испанию, свою семью и друзей из Барселоны.

Ранее Пикассо написал два натюрморта в овальной форме, которые были воспоминанием о его поездке с Браком в Гавр, в апреле 1912г.

Назовите натюрморты Пабло Пикассо

Кажется, что на пространстве стола происходит встреча двух пар — глиняной (приземистый горшочек под крышкой и простая глиняная крынка) и стеклянной (изящный графинчик и треугольный поррон). Образы, созданные Сальвадором Дали, поражают своей абсурдностью. Классические мотивы претерпевают под кистью художника экспрессивные деформации. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины.

Оно словно является откликом на стихотворение Бодлера: «Я воспеваю грязного пса пса-комедианта». В произведениях периода синтетического кубизма (1912–1915) мастер начинает широко дополнять живописные элементы графическими изображениями — разнообразными буквенными надписями, цифрами, нотами или рисунками игральных карт. Но другое название картины — «Кубистический автопортрет» — говорит о том, что художник действительно представил автопортрет, расслаивающийся на холсте на множество профилей. Таковы «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж). Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо.

Его живописные портреты начала 1920-х годов изящны и напоминают о графичности Энгра. В Испании мастер написал также целый ряд полотен исторической и мифологической тематики («Атомная Леда», 1949, Музей Дали, Фигерас «Открытие Америки Христофором Колумбом», 1958–1959, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида). Заказывал здесь 7 модульных картин разных размеров. В это время самыми крупными его работами являются «Мастерская в Калифорнии» (1956, Музей Пикассо, Париж), «Весна» (1956, Национальный музей современного искусства, Париж), «Бухта в Канне» (1958, Музей Пикассо, Париж), «Утренняя серенада» (1965, Малый дворец, Женева), «Кавалер с трубкой» (1970, Музей Пикассо, Париж). В 1948 году Дали вернулся на родину, в Испанию.

Неожиданные натюрморты в западноевропейской живописи

Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Формы скрипки, ритмически дробясь, постепенно расходятся к краям картины. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо).

Вероятно, это, по мнению художника, просто фантомы, когда они не наполнены. Эти образы сами по себе являются протестом против безжалостной агрессии.

Любовь и женитьба в 1915 году на Белле Розенфельд, ставшей главной моделью художника, способствовали появлению картин с фигурами влюбленных («Зеленые любовники», после 1914, частное собрание, Москва). Леонардо да Винчи, Рембрандт, Караваджо. Одной из первых работ данного цикла стала «Скрипка» (1912, ГМИИ, Москва). Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Подобное обстоятельство, естественно, не могло оставить живописца равнодушным.

Кубизм. Вот таким образом и сезаннизм Пикассо заключается прежде всего в переживании сюжетного мотива каждого конкретного натюрморта. Подобные приемы уже говорят о переходе художника к кубизму. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Позднее, в 1928 году, Дали писал: «Пора свести счеты со стерилизованной геометрией, холодной геометрией сухих инкрустаций и плоских объемов в духе Джорджо Моранди, со всеми его натюрмортами из которых выкачан воздух во славу постоянства памяти».

В это же время Дали создает произведения, где формы наслаиваются друг на друга и образы получают неоднозначное истолкование («Метаморфоза Нарцисса», 1937, галерея Тейт, Лондон «Возникновение лица и фруктовой вазы на пляже», 1938, Уэдсворт, Атенеум «Рынок рабов с невидимым бюстом Вольтера», 1940, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида). На полотнах Дали зритель видит чудовищные фантасмагории, устрашающие фигуры («Мрачная игра», 1929, частное собрание, Париж). Но есть и замечания (привожу в порядке увеличения их серьёзности): 1) на одном из модулей не было крепления (учитывая, что всего модулей было, кажется, 26, это, конечно, пустяки, но уж если указывать, то всё) 2) картины ехали чуть больше, чем было обещано (опять же ничего критичного, это именно чуть и я понимаю, что это было вызвано тем, что я живу в глуши) Но повторюсь, все эти упреки не изменяют моей в целом положительной оценки и всей компании и работы менеджера Александра, с которым я общался, так что ставлю твёрдую четвёрку.

За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. Любовь и женитьба в 1915 году на Белле Розенфельд, ставшей главной моделью художника, способствовали появлению картин с фигурами влюбленных («Зеленые любовники», после 1914, частное собрание, Москва). Один из силуэтов — эбеновый — кларнет, а кофейный, с прожилками дерева — скрипка.

В натюрморты. Новые веяния психического автоматизма и «конвульсивной красоты» в полной мере проявились в таких его произведениях, как «Мастерская модистки» (1926, Национальный музей современного искусства, Париж), «Большой натюрморт на круглом столе» (1931, Музей Пикассо, Париж). Формы перетекают одна в другую и из темноты рождаются ускользающие образы-символы. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Кубистический период заканчивается у Пикассо с началом Первой мировой войны, когда Жорж Брак уходит на фронт.

Примером таких композиций служит натюрморт, хранящийся в Эрмитаже, — «Компотница, фрукты и рюмка» (1909). В этом произведении сочетается аскетизм Сурбарана и условность византийской иконописи. Дробит, рассекает на блоки, плоскости и грани. Это полотно восходит к творчеству Карло Карра и Джорджо Моранди.

Новый художник не отображает реальность, он анализирует ее, разбирает ее на части. Мир балета не мог не оказать влияния на дальнейшее творчество художника. Теме корриды был близок образ чудовищного Минотавра, в котором Пикассо видел воплощение подсознательных инстинктов человека и стихийных разрушительных природных сил (офорт «Минотавромахия», 1935, Музей Пикассо, Париж рисунки и гуаши с изображением Минотавра (1935–1936). На первом плане находится лимон, нож и вилка — на скомканной салфетке.

Подобная зримая метафора была в свое время разъяснена как поэтический образ Гарсиа Лоркой: он «основан на взаимообмене обличьем, назначением и функциями различных предметов природы и ее идей». Художника привлекает женская нагота, простая, как само понятие «женщина». И вот уже там его – предостаточно. В то же время растения больше похожи на искусственные восковые цветы, которые обычно делаются провинциальными ремесленниками.

В это же время Дали создает произведения, где формы наслаиваются друг на друга и образы получают неоднозначное истолкование («Метаморфоза Нарцисса», 1937, галерея Тейт, Лондон «Возникновение лица и фруктовой вазы на пляже», 1938, Уэдсворт, Атенеум «Рынок рабов с невидимым бюстом Вольтера», 1940, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида). Пикассо вслед за Бодлером хочет «воспеть славных псов которых всякий гонит от себя, как заразу, кроме бедняка, цыгана и уличного акробата, которому они сотоварищи и поэта, который смотрит на них взглядом собрата». О сути своих предметных композиций сам Пикассо высказался так: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина», вероятно имея в виду драматизм окружающего пространства («Зеленая миска и черная бутылка», «Бидон и миски», обе — в 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Это на самом деле поразительно. Перед черепом расположен неожиданно экстравагантный предмет, то ли ведерко, то ли горшок. Вероятно, это полотно много значило для самого художника, который по прошествии пятидесяти лет писал: «Хлеб по природе своей гетерогенен, ему ведь приходится терпеть и литургическое надувательство со стороны корзины и конвульсивный анархизм драпировки». В 1906 году лирически прозрачный «розовый» период художника ушел в прошлое и на его полотнах появились монументальные обнаженные фигуры. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Галина Дятлева – Мастера натюрморта

Сальвадор доставал насекомых из древесины и заменял их плодовыми червями. Таковы картины «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), «Гертруда Стайн» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). В 1906 году лирически прозрачный «розовый» период художника ушел в прошлое и на его полотнах появились монументальные обнаженные фигуры. Композиция «Харчевня (Окорок)» (1912, Эрмитаж, Санкт-Петербург)— натюрморт исполненный в виде ресторанной вывески.

Ему было всего 16 лет, но уже в этом возрасте юный художник демонстрировал поистине абсолютное владение приемами академической живописи, о чем ярко свидетельствовали полотна «Первое причастие» (1895–1896, музей Пикассо, Барселона), «Знание и милосердие» (1897, музей Пикассо, Барселона). Таковы «Композиция с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Человек с трубкой» (1914, Музей Пикассо, Париж). Третий этап назван «Синтетическим» кубизмом, в нем работы художника принимают декоративный и контрастный характер.

1. Натюрморт Пикассо и другие работы
2. Описание картины «Натюрморт с сыром»
3. Пикассо, "Натюрморт с плетеным стулом"
4. Картина Натюрморт Пабло Пикассо

Особенно выразительной представляется работа «Семья бродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), которая буквально пронизана ощущением одиночества и отрешенности несколько странных персонажей, облаченных в артистические костюмы среди безлюдных пустынных дюн. Образ скрипки в этой работе формируется уже самой овальной границей картины. Дробит, рассекает на блоки, плоскости и грани. Здесь он объявил о своей приверженности к католической религии и создал несколько проникнутых мистическим чувством композиций на религиозные сюжеты — стилизации в духе барочного искусства («Мадонна де Порт-Льигат», 1950, частное собрание «Христос Хуана де ля Круса», 1951, Художественная галерея и музей, Глазго «Тайная вечеря», 1955, Национальная галерея, Вашингтон).

Гитара. Художник по-своему трактует привычные художественные мотивы, основываясь на фрейдистских идеях и собственном понимании бессознательного («Призрак Вермеера Дельфтского, который можно использовать как стол (феноменологическая теория мебели-пищи)», 1934, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида «Археологическая реминисценция Анжелюса Милле», 1934–1935, частное собрание). Ниже — самые характерные картины этого периода, в том числе и натюрморты с вином. На первом плане находится лимон, нож и вилка — на скомканной салфетке. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Образование живописца Дали получил в Мадридской академии художеств.

Нет, просто вино переместилось из сферы живой натуры – в сферу «мертвой». Пачка табака. Вероятно, молодой художник прекрасно знал и метафизическое искусство Джорджо Де Кирико. Замечателен натюрморт Пикассо «Букет цветов в сером кувшине и рюмка с ложкой», где пышный букет напоминает о полотнах Руссо Таможенника: такая же вызывающая экзотичность и таинственность. Композиция составлена из бутылки абсента «Перно» и рюмки, поверх которой положен кусочек сахара, стоящих на овальном деревянном столике.

Особенно выразительной представляется работа «Семья бродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), которая буквально пронизана ощущением одиночества и отрешенности несколько странных персонажей, облаченных в артистические костюмы среди безлюдных пустынных дюн. Художник по-своему трактует привычные художественные мотивы, основываясь на фрейдистских идеях и собственном понимании бессознательного («Призрак Вермеера Дельфтского, который можно использовать как стол (феноменологическая теория мебели-пищи)», 1934, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида «Археологическая реминисценция Анжелюса Милле», 1934–1935, частное собрание). Интересны импровизации художника на темы старых мастеров и картин, ставших классикой мирового изобразительного искусства: «Алжирские женщины» (по Делакруа, 1954–1955), «Менины» (по Веласкесу, 1957), «Завтрак на траве» (по Мане, 1959–1961), «Похищение сабинянок» (по Давиду, 1961–1962), «Турецкая баня» (по Энгру, 1968). Он возвышается на столешнице мощного неуклюжего комода с выдвижным ящиком и кажется завораживающе живым: во все стороны цветы раскинули свои «уши» и «глаза», а их лиственные аккорды громко звучат в аскетической и строгой атмосфере испанского фона. И вот уже там его – предостаточно. На стекле — синяя надпись «Ресторан». Он возвышается на столешнице мощного неуклюжего комода с выдвижным ящиком и кажется завораживающе живым: во все стороны цветы раскинули свои «уши» и «глаза», а их лиственные аккорды громко звучат в аскетической и строгой атмосфере испанского фона.

Не оставлял художник и манеры кубизма. Что же касается «Пьяницы», то здесь сюжет приобретает особенно универсальный, поистине обобщающий и символический аспект, который концентрирует в себе зеленый абсент в рюмке, — зеленая горечь и скорбь. — Скрипка. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Как в «Пьянице», так и в «Арлекине» Пикассо понял смысл спиртного, во-первых, как способ сублимации и замены отвратительной реальности призрачной внутренней духовностью, во-вторых, как идентичность алкоголя и «проклятых» артистов (например, Аполлинер, близкий Пикассо по духу, назвал один из сборников своих стихов «Алкоголи»), в-третьих, напитка прозрения и глубочайшей меланхолии. Это произведение «Голубого периода» передает испытываемое человеком острое одиночество во враждебном мире, где на искреннюю любовь способны только матери, дети и животные. Ему было всего 16 лет, но уже в этом возрасте юный художник демонстрировал поистине совершенное владение приемами академической живописи, о чем ярко свидетельствовали полотна «Первое причастие» (1895–1896, музей Пикассо, Барселона), «Знание и милосердие» (1897, музей Пикассо, Барселона).

• «Натюрморт с тюльпанами» Пикассо купили за 41, 5 млн долларов
• Пабло Пикассо, картина Натюрморт с компотом и бокалом
• Пикассо Пабло (Натюрморт с кофейницей)
• Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

Круг тем, которые он выбирает, чрезвычайно широк: это и портреты и пейзажи и фантастические сюжеты и интерьеры и вариации на литературные и театральные сюжеты. Старый коньяк. Увлечение дивизионизмом ощущается в картине «Купальщицы в Эс Льяне» (1923, частная коллекция).

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Несмотря на то что композиции подобных «черных икон» составляют не мистические или аллегорические предметы, а самые обыденные, привычные в хозяйстве, они, несомненно, созданы в результате потребности самовыражения. У него было огромное количество последователей. Руки героини и, возможно, чересчур длинные хрупкие пальцы не нарушают гармонии облика.

• Работы «голубого» периода (1901-1904)
• Работы «розового» периода (1904 — 1906)
• Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)
• Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)
• Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
• Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

Увлечение дивизионизмом ощущается в картине «Купальщицы в Эс Льяне» (1923, частная коллекция). К тринадцати годам он уже освоил академическую программу. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год.

Искусству следует искать новые пути в будущее. Совершенно другим художник предстает после написания «Авиньонских девушек» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В ранний, парижский или «голубой», (1901–1904) период творчества он исполнял работы под несомненным влиянием импрессионистов — А. Тулуз-Лотрека, П. Сезанна, П. Боннара, Э. Дега. В «Авиньонских девушках» Пикассо смело использует резкие деформации и жесткие изломы. Один из замечательных образцов натюрмортов — «Букет цветов в сером кувшине и бокал с ложкой» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Мандолина.

Зачем повторяться. Персонажи этих полотен изображены за столиком в кафе. Это — каминная полка, где расположена сама компотница и визитная карточка художника. Художник находился в Берлине, когда началась Первая мировая война. Пишет Пикассо и свои излюбленные натюрморты с гипсовыми античными слепками, которые кажутся героями классических драм в модернизированных постановках («Натюрморт с античной головой», 1925, Национальный музей современного искусства, Париж «Мастерская с гипсовой головой», 1925, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

• Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)
• Работы военного времени (1937-1945)
• Работы послевоенного периода (1945 — 1960)
• Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
• Описание картины Пабло Пикассо «Натюрморт с плетеным стулом»
• Картина Пабло Пикассо Натюрморт с тюльпанами продана
• Вино в африканский/сезанновский период

Но есть и замечания (привожу в порядке увеличения их серьёзности): 1) на одном из модулей не было крепления (учитывая, что всего модулей было, кажется, 26, это, конечно, пустяки, но уж если указывать, то всё) 2) картины ехали чуть больше, чем было обещано (опять же ничего критичного, это именно чуть и я понимаю, что это было вызвано тем, что я живу в глуши) Но повторюсь, все эти упреки не изменяют моей в целом положительной оценки и всей компании и работы менеджера Александра, с которым я общался, так что ставлю твёрдую четвёрку. Это «Коррида» (1934, частное собрание), «Коррида. Спустя два года появился абсолютно непохожий на прежние натюрморт «Корзинка с хлебом» (1926, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида, США). Здесь он объявил о своей приверженности к католической религии и создал несколько проникнутых мистическим чувством композиций на религиозные сюжеты — стилизации в духе барочного искусства («Мадонна де Порт-Льигат», 1950, частное собрание «Христос Хуана де ля Круса», 1951, Художественная галерея и музей, Глазго «Тайная вечеря», 1955, Национальная галерея, Вашингтон).

В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Одинаково показан поворот голов человека и животного, ритмы композиции синхронны. Изображать максимально реалистично на холсте форму, цвет и свет мы уже умеем.

• Самые известные работы африканского периода
• Вино в аналитический период кубизма
• Самые известные работы аналитического периода
• Самые известные работы синтетического периода

«Портрет Абруаза Воллара» недаром всегда называли шедевром психологического реализма. В ранних произведениях художника отразился интерес к различным направлениям в искусстве. 1927, Музей Дали, Фигерас). Формы этих персонажей кажутся вырубленными мощными взмахами прямых линий, с моделировкой «насечкой».

Так, осенью 1901 года Пикассо исполнил два знаменитых полотна — «Арлекин и его подружка» и «Любительница абсента». Искусствоведы склонны рассматривать сюжет картины в качестве вариации на тему vanitas («суета сует»), распространенную в работах старых мастеров. Зачем повторяться. Вероятно, этот предмет, по-французски называющийся jarr, то есть «глиняный горшок», является посвящением литератору с созвучной фамилией — Альфреду Жарри. Интересны композиции «Три музыканта» (1921, Музей современного искусства, Филадельфия) и «Танец» (1925, Галерея Тейт, Лондон), где накладываются одна на другую цветные плоскости.

Здесь же был выполнен его «Живой натюрморт» (1956, Фонд Морзе, Кливленд), где предметы (стакан с вином, бутылка, нож, вазы, фрукты) по воле воображения автора парят над столом так же, как летящая над водой ласточка. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Скорее всего, эти натюрморты тоже не писались с натуры. Натюрморты становятся объемными почти скульптурно. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Интересны композиции «Три музыканта» (1921, Музей современного искусства, Филадельфия) и «Танец» (1925, Галерея Тейт, Лондон), где накладываются одна на другую цветные плоскости.

Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Набор вещей молодого человека, представителя парижской богемы начала века. В 1922 году художник оставил Россию и уехал за границу.

Сальвадор доставал насекомых из древесины и заменял их плодовыми червями. Формы этих персонажей кажутся вырубленными мощными взмахами прямых линий, с моделировкой «насечкой». Позднее, в 1928 году, Дали писал: «Пора свести счеты со стерилизованной геометрией, холодной геометрией сухих инкрустаций и плоских объемов в духе Джорджо Моранди, со всеми его натюрмортами из которых выкачан воздух во славу постоянства памяти». В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.

Именно это период положил конец нищенскому существованию мастера. Если вы помните эпизод с авангардным портретом главного злодея из детского фильма «Принц Флоризель», то это отсылка именно к этому периоду творчества Пикассо. Изображение становится более целостным, гармоничным, цветным и декоративным.

Палитра художника становится более светлой, а линии — плавными и легкими. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов.

Одному только ему посвящены десятки живописных работ, хватит на отдельную обширную подборку. ) Предлагаем сейчас проследить эволюцию «винного» натюрморта «с участием» бутылок и бокалов в живописи Пикассо периода кубизма, 1907-1917. Он подходил к холсту или листу бумаги и немедленно начинал на нем импровизировать. Из них мальчик и черпал свои первые знания. Несмотря на то что композиции подобных «черных икон» составляют не мистические или аллегорические предметы, а самые обыденные, привычные в хозяйстве, они, несомненно, созданы в результате потребности самовыражения. Вероятно, это полотно много значило для самого художника, который по прошествии пятидесяти лет писал: «Хлеб по природе своей гетерогенен, ему ведь приходится терпеть и литургическое надувательство со стороны корзины и конвульсивный анархизм драпировки». Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия).

Спустя два года появился совершенно непохожий на прежние натюрморт «Корзинка с хлебом» (1926, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида, США). После Октябрьской революции художник был вовлечен в бурную жизнь изменившейся страны. Обычная, ничем не примечательная жизнь провинциальных городков и деревушек трансформируется в необыкновенное, чудесное зрелище, где предметы и человеческие фигуры как будто парят в пространстве («Крестьянская жизнь», 1925, галерея Олбрайт-Нокс, Буффало «Петух», 1929, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид). Искусствоведы склонны рассматривать сюжет картины в качестве вариации на тему vanitas («суета сует»), распространенную в работах старых мастеров.

На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». Положительных эмоций, несомненно, больше. Как в «Пьянице», так и в «Арлекине» Пикассо понял смысл спиртного, во-первых, как способ сублимации и замены отвратительной реальности призрачной внутренней духовностью, во-вторых, как идентичность алкоголя и «проклятых» артистов (например, Аполлинер, близкий Пикассо по духу, назвал один из сборников своих стихов «Алкоголи»), в-третьих, напитка прозрения и глубочайшей меланхолии. Вся группа вещей показана развернутой в манере Сурбарана. Гитара.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Экзамен высшей ступени обучения Пабло выдержал блестяще. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. В результате общения двух авангардно настроенных молодых художников ищущих новых форм в искусстве, рождается новый стиль. Но другое название картины — «Кубистический автопортрет» — говорит о том, что художник действительно представил автопортрет, расслаивающийся на холсте на множество профилей. В щелях старой двери жили древоточцы. В этом году словно произошло перерождение Пикассо.

Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Силуэты артистов словно колеблются, что вызывает у зрителя ассоциации с дрожащим пламенем свечи или вьющимся побегом растения («Актер», 1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк «Девочка на шаре», 1905, ГМИИ, Москва «Семья акробатов с обезьяной», 1905, Художественный музей, Гётеборг). Таковы «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), которым свойственна тяжеловесная иберийская или негритянская пластика. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни).

Композиция «Харчевня (Окорок)» (1912, Эрмитаж, Санкт-Петербург)— натюрморт исполненный в виде ресторанной вывески. Подобная зримая метафора была в свое время разъяснена как поэтический образ Гарсиа Лоркой: он «основан на взаимообмене обличьем, назначением и функциями различных предметов природы и ее идей». В духе фовизма исполнено полотно «Ярмарка в день Святого Креста Господня» (1921, Музей Дали, Фигерас). Натюрморты этого времени легки и образуют несложную композицию («Горшок, рюмка, книги», Эрмитаж, Санкт-Петербург). В это время мастер создал такие выдающиеся полотна, как «Арлекин и его подружка» (1901, ГМИИ, Москва) и «Пьяница (Любительница абсента)» (1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Натюрморты воссоздают конкретную и реалистичную вещественность той эпохи. Натюрморты этого периода Пикассо создавал, не используя натуру исключительно благодаря силе воображения.

Кажется, что на пространстве стола происходит встреча двух пар — глиняной (приземистый горшочек под крышкой и простая глиняная крынка) и стеклянной (изящный графинчик и треугольный поррон). В самом центре Пикассо разместил роскошный розовый окорок. Вершиной аналитического кубизма считается «Портрет Амбруаза Воллара» (1909–1910, ГМИИ, Москва). В ранних произведениях художника отразился интерес к различным направлениям в искусстве. Художник никогда не имел заранее намеченного плана.

Дали писал: «Когда я покажу вазочку кружащейся в пространстве вместе с веером и фруктами, цветной капустой, птицей, бокалом, бутылкой из которой изливается содержимое и ножом напротив окна, а за окном будет простираться бескрайняя морская гладь, покрытая зыбью, когда я выставлю руку, сжимающую в пальцах рог носорога, — все это будет означать, что я решился и начал постигать пространство-время путем созерцания левитации, которая разрушает энтропию». После окончания ранних, «цветных», периодов творчества и вплоть до 50-х годов, то есть на протяжении почти полувека, Пикассо уже почти не пишет людей с вином – ни жанровых сцен, ни портретов.

Когда в 1907 году Пикассо представил работу «Авиньонские девицы», это произвело шок на публику. Это было более чем влияние, это было посвящение в таинство. В подобные «витражные» произведения, названные так из-за сильного и гибкого темного контура, делящего пространство картины на крупные планы, мастер включает элементы натюрморта, создающие и концентрирующие настроение полотен. После освобождения. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Малага.

К тому же появилась фотография. Контакты с сюрреализмом. Именно в этом городе он увлекся керамикой. В ранний, парижский или «голубой», (1901–1904) период творчества он исполнял работы под несомненным влиянием импрессионистов — А. Тулуз-Лотрека, П. Сезанна, П. Боннара, Э. Дега.

Так, осенью 1901 года Пикассо исполнил два знаменитых полотна — «Арлекин и его подружка» и «Любительница абсента». Контакты с сюрреализмом. Брак говорил: «В начале всего — контакт с Сезанном. В 1906 году лирический «Розовый период» сменяется монументальностью и обобщенностью мощных форм. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо.

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Перед ней возвышается как воплощение мирового зла или некий алхимический атрибут ядовито-зеленый, горький напиток, зловеще мерцающий на дне рюмки. Еще мгновение и он превратится в драгоценный камень. Пишет Пикассо и свои излюбленные натюрморты с гипсовыми античными слепками, которые кажутся героями классических драм в модернизированных постановках («Натюрморт с античной головой», 1925, Национальный музей современного искусства, Париж «Мастерская с гипсовой головой», 1925, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Таковы «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж). В 1907 году Пикассо 26 и он работает с Жоржем Браком. Как для Жоржа Брака, так и для Пикассо учителем натюрморта являлся Поль Сезанн. По Делакруа (1955) Менины.

После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Смерть тореро» (1933, Музей Пикассо, Париж). Кажется, будто об этой картине Аполлинер писал в одной из своих поэм: «Маленький дух без признаков плоти — каждый подумал». Он свободно меняет пропорции и ракурсы, в результате чего большие фигуры оказываются расчлененными на отдельные фрагменты («Женщины, бегущие по пляжу», 1922 «Флейта Пана», 1923, обе — Музей Пикассо, Париж). Но уже тогда его рисунки, а также методы их создания шокировали зрителей.

Воображение помогало художнику создавать необыкновенные композиции, в которых счастливые пары взмывают в воздух («День рождения», 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк «Над городом», 1917, Третьяковская галерея, Москва «Прогулка», 1917, Русский музей, Санкт-Петербург). Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Абсолютно другим художник предстает после написания «Авиньонских девушек» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Изображать максимально реалистично на холсте форму, цвет и свет мы уже умеем. В подобном ключе исполнена и еще одна, более ранняя картина — «Кубистическая фигура» (ок.

Книга. Создавая «Гернику», Пикассо писал множество отдельных мотивов и сюжетов этой композиции в виде небольших рисунков и картин. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Игральные карты. Перед черепом расположен неожиданно экстравагантный предмет, то ли ведерко, то ли горшок.

Основная часть знатоков живописи не признавала «кубические» картины Пикассо, хоть работы этого периода стали хорошо продаваться. Я не знаю более страшной картины, чем эта натюрморт Пикассо». Одному только ему посвящены десятки живописных работ, хватит на отдельную обширную подборку. ) Предлагаем сейчас проследить эволюцию «винного» натюрморта «с участием» бутылок и бокалов в живописи Пикассо периода кубизма, 1907-1917.

Один из замечательных образцов натюрмортов — «Букет цветов в сером кувшине и бокал с ложкой» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Сильными штрихами обозначаются основные линии тяжелого лица Воллара, короткий перебитый нос, линия рта Несмотря на условность составляющих форм, портрет представляется поразительно живым и легко узнаваемым. В 1945 году Дали вновь возвратился к прежней теме, написав еще одну «Корзинку с хлебом» (Музей Дали, Фигерас).

Цветовая гамма в основном серая, зеленая, охристая. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Логика новаторов проста. Например, каждое из 58 полотен «Менин» (все — Музей Пикассо, Барселона) представляет собой моментальный снимок, остановившийся на миг в непрерывно меняющемся сознании кадр, а также каждый раз новое прочтение художником великого Веласкеса.

Первым стал «Сезанновский» кубизм, который представлен в картинах «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером» и других, наполненных «сезанновскими» охристыми, коричневыми и зеленоватыми тонами. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Леонардо да Винчи, Рембрандт, Караваджо. В 1907 году Пикассо 26 и он работает с Жоржем Браком.

Портвейн. В щелях старой двери жили древоточцы. Создавая «Гернику», Пикассо писал множество отдельных мотивов и сюжетов этой композиции в виде небольших рисунков и картин. Русский кубист Алексей Грищенко писал об этой картине: «С удивительным мастерством разрешена новая концепция картины, где формы предмета, глубоко переработанные художником, построены в ясную, стилистически завершенную и живо волнующую композицию где живописью введены и конструктивно спаяны аналитически добытые элементы в одно неразъединимое, синтетическое целое где перспектива дана реально глубинными сечениями предмета, где каждый кусочек холста вышел из-под руки настоящего живописца». Их челюсти злобно оскалены, а острые конечности угрожающе вскинуты вверх.

Трубка. Из всеобъемлющей концепции выбивается лишь череп золотистого оттенка. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В композиции «Компотница с гроздью винограда и разрезанная груша» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург) использован вертикально наклеенный кусок бумаги, который представляет фарфоровую компотницу снизу приклеена выкройка из серой бумаги. Ниже — самые характерные картины этого периода, в том числе и натюрморты с вином. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо).

Наиболее интересной представляется композиция «Кларнет и скрипка» с ее черным планом, отступающим за коричневый, связанный с ним небольшим кремовым квадратиком. Из них мальчик и черпал свои первые знания. Его живописные портреты начала 1920-х годов изящны и напоминают о графичности Энгра.

Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. К тому же появилась фотография. Таким образом, каждый компонент коллажей Пикассо становится метафорой и иносказанием. Буквы, пересекающие ее, представляют собой рекламные надписи, которыми оформлено стекло кафе, представляющее собой задний план натюрморта. Подобные приемы уже говорят о переходе художника к кубизму.

На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». Во-вторых, на мой запрос отреагировали очень быстро. В 1950–1960-е годы мастер продолжал активно работать. Бокал. В этот период даже портретные работы Пикассо напоминают натюрморты, а фигуры становятся неким подобием механических монстров, словно созданных из отполированных, гладко выточенных деталей: «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж). Партитура. Как бог.

Трубка. Таковы «Композиция с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Человек с трубкой» (1914, Музей Пикассо, Париж). Каретников, вышедшая в 1967 году. Фрагменты человеческих тел соединены с неживыми предметами. Своей кульминации новый художественный метод достигает на полотне «Авиньонские девицы» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк), где резкие деформации знаменуют собой переход к кубизму.

К концу 1908 года настроение «скорби последних дней» сменяется ясной созерцательностью. Итогом творческих исканий живописца стала его «Композиция с черепом» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Пикассо, как и прежде, предпочитал работать сериями: «Жаклин в профиль» (1959), «Художник и модель» (1963–1965), «Художник» (1964), «Мушкетер с трубкой» (1968). Замечательно полотно «Мальчик с собакой» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Кубизм. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Что же касается предметных деформаций, то о них замечательно написал С. Аксенов: «Пикассо смотрит в упор на свои предметы так близко, как смотрят на лицо любовницы». Так возникает атмосфера уютной, наполненной светом комнаты. Игральные карты.

Так, на столе перед артистичным и нервным Арлекином стоит большая, наполовину недопитая рюмка абсента — горького ликера с привкусом полыни и такого же, полынного, ярко-зеленого цвета. Бутылка вина. В это время мастер создал такие выдающиеся полотна, как «Арлекин и его подружка» (1901, ГМИИ, Москва) и «Пьяница (Любительница абсента)» (1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В 1895 году Пикассо поступил в Академию художеств «Ла Лонха» в Барселоне.

Картина «Столик в кафе (Бутылка Перно)» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) была исполнена весной 1912 года. Русский кубист Алексей Грищенко писал об этой картине: «С удивительным мастерством разрешена новая концепция картины, где формы предмета, глубоко переработанные художником, построены в ясную, стилистически завершенную и живо волнующую композицию где живописью введены и конструктивно спаяны аналитически добытые элементы в одно неразъединимое, синтетическое целое где перспектива дана реально глубинными сечениями предмета, где каждый кусочек холста вышел из-под руки настоящего живописца». В это время он полностью определился со своими художественными пристрастиями.

Картина «Столик в кафе (Бутылка Перно)» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) была исполнена весной 1912 года. В самом деле современники считали подобные произведения некими «черными иконами», которые, хотя и составлялись из обычных хозяйственных предметов, но существовали исключительно для потребности художника в самовыражении. Своей кульминации новый художественный метод достигает на полотне «Авиньонские девицы» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк), где резкие деформации знаменуют собой переход к кубизму. Яков Тугенхольд так сказал об одном из натюрмортов Пикассо: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина». Утренняя газета. Вся группа вещей показана развернутой в манере Сурбарана.

В 1900 году Пикассо в первый раз попал в Париж. Брак говорил: «В начале всего — контакт с Сезанном. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия).

Испанский художник Сальвадор Дали родился в городке Фигерасе (Каталония) в семье нотариуса. За многие столетия предшествующего развития искусства человечество уже доказало, что умеет рисовать. Вероятно, это объясняет красочную живописность его поздних работ и стремление создавать большие серии, где можно зафиксировать отдельные моменты, выхваченные из бесконечно льющегося творческого потока. Обычная, ничем не примечательная жизнь провинциальных городков и деревушек трансформируется в необыкновенное, чудесное зрелище, где предметы и человеческие фигуры как будто парят в пространстве («Крестьянская жизнь», 1925, галерея Олбрайт-Нокс, Буффало «Петух», 1929, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид).

Но уже тогда его рисунки, а также методы их создания шокировали зрителей. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Партитура. И собирает заново. В композиции присутствуют всего три предмета и три плоскости. По Мане (1960). Таковы картины «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), «Гертруда Стайн» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

В этой удивительно красивой картине уже заметно стремление к новому — сюрреализму. Так, «Домик в саду» трехмерен и осязаем. К чему добиваться этих различий однообразными мазками масляной живописи и пытаться «передать» видимое через множество мучительных и риторических условностей: перспективу и т. п. В композиции присутствуют всего три предмета и три плоскости. Если вы помните эпизод с авангардным портретом главного злодея из детского фильма «Принц Флоризель», то это отсылка именно к этому периоду творчества Пикассо. Герника и отличающийся мрачностью.

Он занимался организационной и педагогической работой. В 1920 году Шагал переехал из Витебска в Москву. Ягоды выглядели такими реальными, что хотелось протянуть руку и взять их. В духе фовизма исполнено полотно «Ярмарка в день Святого Креста Господня» (1921, Музей Дали, Фигерас). Теме корриды был близок образ чудовищного Минотавра, в котором Пикассо видел воплощение подсознательных инстинктов человека и стихийных разрушительных природных сил (офорт «Минотавромахия», 1935, Музей Пикассо, Париж рисунки и гуаши с изображением Минотавра (1935–1936). Герои этих жизнерадостных полотен — циркачи и бродячие актеры, музыканты и влюбленные («Зеленый скрипач», 1923–1924, Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк «Акробаты», 1926, частное собрание «Новобрачные у Эйфелевой башни», 1928, частное собрание «Акробатка», Национальный музей современного искусства, Париж «Влюбленные в сирени», 1930, частное собрание, Нью-Йорк).

Реалист видит форму только с одной точки, кубист видит ее сразу отовсюду. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. Как часто повторяет Пикассо, художник работает «не с натуры, а подобно натуре». Нет, просто вино переместилось из сферы живой натуры – в сферу «мертвой». В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис.

Ему пришлось срочно выехать из Германии и возвратиться в Россию. Композиция составлена из бутылки абсента «Перно» и рюмки, поверх которой положен кусочек сахара, стоящих на овальном деревянном столике. Эти образы сами по себе являются протестом против безжалостной агрессии. Второй этап кубизма – «Аналитический», для которого характерно дробление на мелкие части, которые свободно отделяются друг от друга, а образ словно расплывается на холсте.

Здесь же был выполнен его «Живой натюрморт» (1956, Фонд Морзе, Кливленд), где предметы (стакан с вином, бутылка, нож, вазы, фрукты) по воле воображения автора парят над столом так же, как летящая над водой ласточка. Букет возвышается на комоде с выдвижными ящиками, словно на пьедестале он живет своей динамичной жизнью — во все стороны направлены цветочные глаза, уши, жесты листьев, особенно красноречивые на фоне суровой сдержанности чисто испанского фона. Замечательно полотно «Мальчик с собакой» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург). К чему добиваться этих различий однообразными мазками масляной живописи и пытаться «передать» видимое через множество мучительных и риторических условностей: перспективу и т. п. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника.

Мандолина. В это время самыми крупными его работами являются «Мастерская в Калифорнии» (1956, Музей Пикассо, Париж), «Весна» (1956, Национальный музей современного искусства, Париж), «Бухта в Канне» (1958, Музей Пикассо, Париж), «Утренняя серенада» (1965, Малый дворец, Женева), «Кавалер с трубкой» (1970, Музей Пикассо, Париж). Он свободно меняет пропорции и ракурсы, в результате чего большие фигуры оказываются расчлененными на отдельные фрагменты («Женщины, бегущие по пляжу», 1922 «Флейта Пана», 1923, обе — Музей Пикассо, Париж). Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Все в этих композициях символично. Например, каждое из 58 полотен «Менин» (все — Музей Пикассо, Барселона) представляет собой моментальный снимок, остановившийся на миг в непрерывно меняющемся сознании кадр, а также каждый раз новое прочтение художником великого Веласкеса.

В произведениях периода синтетического кубизма (1912–1915) мастер начинает широко дополнять живописные элементы графическими изображениями — разнообразными буквенными надписями, цифрами, нотами или рисунками игральных карт. На полотнах Дали зритель видит чудовищные фантасмагории, устрашающие фигуры («Мрачная игра», 1929, частное собрание, Париж). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Кажется, что мастер просто зачарован подобной нежизненностью восковых растений. Скорее всего, эти натюрморты тоже не писались с натуры. Яков Тугенхольд так сказал об одном из натюрмортов Пикассо: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина».

Это — каминная полка, где расположена сама компотница и визитная карточка художника. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве.

Такова «Компотница с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Композиция исполнена внутренней динамики, построена на игре контрастов и ритмическом единстве. Отец Сальвадора имел большую библиотеку, где было множество книг по искусству.

Таким образом, каждый компонент коллажей Пикассо становится метафорой и иносказанием. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. работ. В этой удивительно красивой картине уже заметно стремление к новому — сюрреализму. В Испании мастер написал также целый ряд полотен исторической и мифологической тематики («Атомная Леда», 1949, Музей Дали, Фигерас «Открытие Америки Христофором Колумбом», 1958–1959, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида).

Как часто повторяет Пикассо, художник работает «не с натуры, а подобно натуре». Заказывал здесь 7 модульных картин разных размеров. Таковы «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), которым свойственна тяжеловесная иберийская или негритянская пластика. Ранняя форма кубизма (1908–1912) называется аналитической. Логика новаторов проста. Это «Коррида» (1934, частное собрание), «Коррида.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Силуэты артистов словно колеблются, что вызывает у зрителя ассоциации с дрожащим пламенем свечи или вьющимся побегом растения («Актер», 1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк «Девочка на шаре», 1905, ГМИИ, Москва «Семья акробатов с обезьяной», 1905, Художественный музей, Гётеборг). За всю жизнь он создал порядка 20 тыс. Примером таких композиций служит натюрморт, хранящийся в Эрмитаже, — «Компотница, фрукты и рюмка» (1909). Один из силуэтов — эбеновый — кларнет, а кофейный, с прожилками дерева — скрипка.

Мастер говорил: «В то время я работал совсем без всякой модели. Первые уроки живописи он получил у своего отца. В простой и объективной манере исполнен натюрморт «Горшок, рюмка и книга» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Полотно теряет свойство обособленности, его границы (границы искусства) размываются. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея).

1925–1926 годы были ознаменованы для Пикассо встречей с сюрреалистами. Ваза с фруктами. То, что я искал, было совсем другое».

В натюрморты. Художник в это время усиленно анализирует форму, раскладывая её на отдельные составляющие элементы, показывает их одновременно с разных точек зрения, предлагая зрителю проделать самостоятельную «сборку» целостного образа. Что же касается предметных деформаций, то о них замечательно написал С. Аксенов: «Пикассо смотрит в упор на свои предметы так близко, как смотрят на лицо любовницы». Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). В этот период даже портретные работы Пикассо напоминают натюрморты, а фигуры становятся неким подобием механических монстров, словно созданных из отполированных, гладко выточенных деталей: «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж).

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Эти произведения действительно воспринимались как некие религиозные откровения. Напиток символизирует непонятость, отверженность Арлекина как художника-творца. Мир балета не мог не оказать влияния на дальнейшее творчество художника.

Символы давно прошедшего времени предстают на полотне «Постоянство памяти (Мягкие часы)» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Этот духовно близкий Пикассо человек неожиданно и безвременно умер. (Бокал – любимый предмет. Пикассо вслед за Бодлером хочет «воспеть славных псов которых всякий гонит от себя, как заразу, кроме бедняка, цыгана и уличного акробата, которому они сотоварищи и поэта, который смотрит на них взглядом собрата».

Он занимался организационной и педагогической работой. Воображение помогало художнику создавать необыкновенные композиции, в которых счастливые пары взмывают в воздух («День рождения», 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк «Над городом», 1917, Третьяковская галерея, Москва «Прогулка», 1917, Русский музей, Санкт-Петербург). Напиток символизирует непонятость, отверженность Арлекина как художника-творца. Утренняя газета. Малага.

Он очень рано проявил способности к рисованию. В самом центре Пикассо разместил роскошный розовый окорок. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо использует колорит, основанный на теплых, почти солнечных оттенках. В 1906 году лирический «Розовый период» сменяется монументальностью и обобщенностью мощных форм.

В это время Пикассо увлекается натюрмортами и наделяет их глубоким философским значением. Цветовая гамма в основном серая, зеленая, охристая. Каретников, вышедшая в 1967 году. Полотно теряет свойство обособленности, его границы (границы искусства) размываются. Натюрморты этого времени легки и образуют несложную композицию («Горшок, рюмка, книги», Эрмитаж, Санкт-Петербург).

В это время Пикассо увлекается натюрмортами и наделяет их глубоким философским значением. В простой и объективной манере исполнен натюрморт «Горшок, рюмка и книга» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Герои этих жизнерадостных полотен — циркачи и бродячие актеры, музыканты и влюбленные («Зеленый скрипач», 1923–1924, Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк «Акробаты», 1926, частное собрание «Новобрачные у Эйфелевой башни», 1928, частное собрание «Акробатка», Национальный музей современного искусства, Париж «Влюбленные в сирени», 1930, частное собрание, Нью-Йорк). Именно в этом городе он увлекся керамикой. Их челюсти злобно оскалены, а острые конечности угрожающе вскинуты вверх.

Сначала он жил в Берлине, а в 1923 году переехал в Париж. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). И совсем иным предстает Дали в композиции «Натюрморт в лунном свете» (1928, Центр искусств королевы Софии, Мадрид).

Типичным образцом подобных композиций можно назвать полотна «Ольга Хохлова» (1917, Музей Пикассо, Париж), «Сидящий Арлекин» (1923, Национальный музей современного искусства, Париж). Отец Сальвадора имел большую библиотеку, где было множество книг по искусству. Такова «Компотница с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Как бог.

Дали писал: «Когда я покажу вазочку кружащейся в пространстве вместе с веером и фруктами, цветной капустой, птицей, бокалом, бутылкой из которой изливается содержимое и ножом напротив окна, а за окном будет простираться бескрайняя морская гладь, покрытая зыбью, когда я выставлю руку, сжимающую в пальцах рог носорога, — все это будет означать, что я решился и начал постигать пространство-время путем созерцания левитации, которая разрушает энтропию».

---