Картина Петрова Водкина Мать
В 1916 году Петров-Водкин впервые обратился к исторической тематике и написал картину о Первой мировой войне «На линии огня» (Русский музей, Санкт-Петербург). Картину «Мать» на середине своего творческого пути создал великий русский художник Кузьма Петров-Водкин. Картина Кузьмы Петрова-Водкина Мать: описание, биография художника, отзывы покупателей, другие работы автора.
Наряду с эпическими произведениями, в 1920–1930-е годы Петров-Водкин создавал портреты (Анны Ахматовой, 1922, Русский музей, Санкт-Петербург Андрея Белого, 1932, Картинная галерея Армении, Ереван).
Описание картины Кузьмы Петрова-Водкина «Материнство»
Разнообразие пространственных позиций в картине граничит с законом тяготения: «Полдень. Может быть именно это позволяло ему читать судьбу по лицам. Он вообще предпочитал полевые цветы садовым. Искусственно делая икону «старой», как бы «намоленной» рядом поколений, с потемневшей олифой, с потухшим то зеленоватым, то коричнево-золотистым тоном живописи иконописцы слоем старой олифы путем сложных и ловких манипуляций «присмиряли» цвет там, где он невольно вырывался из общего тона.
В 1932году картины художника экспонировались на выставке русского искусства в Филадельфии, а в 1933году— на выставке «Современное искусство СССР» в Сан-Франциско, Чикаго, Филадельфии, Нью-Йорке. Появились тысячи рисунков, сотни этюдов и несколько картин. Одной из целей поездки был Везувий.
Сочинение-описание картины Петрова-Водкина «Мать»
Вместе с тем это организация символического пространства, адресующая к восприятию любого фрагмента действительности с «планетарной» точки зрения. Меня вообще поразила картина Смерть комиссара, с убегающими с поля боя большевиками. Петров-Водкин был также литератором известны его рассказы, повести, пьесы и очерки. Картина «Смерть комиссара» стала одним из этапных произведений советского изобразительного искусства. К. Мало ли было таких женщин и таких младенцев во все времена на Руси. Увидеть настоящий вулкан было его давней мечтой.
Однако упорная работа над чисто литературными произведениями была малоудачной. Эту картину Кузьмы Петрова-Водкина часто называют «Петроградской Мадонной». Он создает песню о ней.
Описание картины Кузьмы Петрова-Водкина «Мать»
Главное в картине – это предчувствие: что-то произошло и чего-то ждут. Он умел видеть дорогу к будущему искусству и открывал новые его дали. Портрет Ахматовой прост и убедителен, лишён внешних эффектов.
Государственный Русский музей (Петербург)К. К первой годовщине Октября он создал целую серию натюрмортов, ставших символами постреволюциоиной России: «Утренний натюрморт», «Скрипка», «Розовый натюрморт». В целом творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина предстает как искусство большого масштаба идущее от традиций древнерусской живописи классического искусства, а также от традиций Александра Иванова, Венецианова и Врубеля. – Это очень емкий образ, представляющий эпоху, говорящий от ее лица.
Сочинения по картинам 5-9 класс
Разве бывает, чтобы у художника внезапно появилась аллергия на краски. Цена на печать работы русского художника зависит от размера, материала, а также дополнительных аксессуаров.
Холст, масло. Первичная – отдана художником, падающему свету. К. Петров-Водкин – один из наиболее значительных мастеров первой трети ХХ в. В ранний период творчества он испытал сильное влияние символизма и модерна, но постепенно (к 1910-м годам) выработал собственный стиль. Вплоть до самой смерти он работал, выставлялся и даже получал официальные заказы (участвовать в оформлении так никогда и не построенного Дворца Советов). Все члены семьи в оцепенении застыли и ждут чего-то страшного.
Да и горизонтальный формат холста портрета, его меньшие размеры не позволяли Кузьме Сергеевичу «разбежаться вширь». Имя Петрова-Водкина стало известно всей России после вызвавшей многочисленные споры картины «Купание красного коня» (1912 г. ), представленной на выставке «Мир искусства». Государственная Третьяковская галерея (Москва)Работа над ней проходила в деревне на берегу реки Иловли, притока Дона.
Но у Петрова-Водкина она основывалась на реальности. По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Купальщицы и Полдень. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933).
- Русский музей Дополненная реальность
- Картина Мать Кузьмы Петрова-Водкина
- Десять шедевров Петрова-Водкина
- Петров-Водкин, Кузьма Сергеевич
- Художник Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
Кормящая мать выглядит немного усталой. Они были такими первозданно яркими, словно красовались одна перед другой. (3) И хотя на картине изображено, вероятно, утро, но «розовый горизонт» тоже можно видеть. Петров-Водкин не просто пишет картины, он глубоко философствует на тему человеческой души и межличностных отношений. 1928 год оказался непростым для самого художника. льется кровь, гибнут за революцию люди, терпят голод, радуются пайкам.
Только в 1966 году прошла первая посмертная «настоящая» выставка Петрова-Водкина в Русском музее и именно после нее художник занял достойное место в пан теоне русских живописцев XX столетия. Но всё же какой-то лучик надежды на светлое будущее в нём есть. Сейчас кивнет и, удобно устроив куклу, убежит с веранды, заливисто смеясь.
В других портретах 20-х годов Петрова-Водкина интересовало выявление не столько индивидуальных качеств модели, сколько типических особенностей советских девушек новой формации, сохранивших в то же время черты, присущие русским деревенским жительницам (Девушка в красном платке, 1925 Девушка в сарафане и Девушка у окна – обе 1928). Перед нами словно проходят воспоминания художника о детских годах, о любимом Хвалынске. В его натюрмортах довольно часто встречаются букеты полевых цветов: «Утренний натюрморт» (1918), «Натюрморт с самоваром» (1920) и «Натюрморт.
- Картина «1918 год в Петрограде» Петров-Водкин
- Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878–1939)
- Коллекция Государственного Русского музея
- Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939)
- «Только на Волге, только в Хлыновске бывают такие весны»
- За впечатлениями: от Петербурга до Африки
- Социальные проблемы, новости Подмосковья, культура, наука
- Кузьма Петров-Водкин: биография
Государственный Русский музей (Петербург)Картина была написана в 1928 г., к 10-летию Рабоче-крестьянской Красной армии. Хвалынские купцы присылали ежемесячно 25 рублей ему в помощь. Петров-Водкин родился в г. Хвалынске Саратовской губернии в семье сапожника. Розовый натюрморт (1918, ГТГ) весь пронизан светом, обливающим ветку яблони, рассыпанные плоды и стакан на столе. А планета продолжает поворачиваться вокруг своей оси, невзирая на смерть комиссара.
Его былинная мощь резко контрастирует с хрупким обнаженным телом юного всадника. После событий 1917 года он повторил то же самое. Наиболее органичными представляются произведения, связанные с темой материнства, проходящей через все творчество Петрова-Водкина: «Мать» (1913), «Мать» (1915), «Утро. С точки зрения колорита, полотно построено в полном согласии с водкинской теорией «трехцветий», предполагавшей работу с тремя основными цветами спектра — синим, красным и желтым. При этом мастер прекрасно понимал, что должен представить публике шедевр, вот таким образом возлагал на «Купание красного коня» большие надежды. 1920 г. Петров-Водкин неизменно предпочитал оставаться вне каст, заклинал близких не впутываться в политику, в которой «сам черт ногу сломит». Путешествуя, Кузьма Сергеевич много наблюдал изучал мастеров.
Ближе всего к человеку, конечно, животные. Художник изобразил бедную семью, в которой двое детей. Фольклор сохранил воспоминания о тех временах, главным образом — в сказках о животных. Это тоже — картина-символ, картина-эпоха.
Художник несомненно преображает и природу и человека. На рубеже 1920-х и 1930-х гг. На Тате белое кружевное платье и смотрит она с картины, как живая. Одним словом, ложной многозначительности в картине нет.
Полотно «Мать» выполнено в любимой красной цветовой гамме художника. Поэт Спасский, позировавший для центрального образа, сказал, что картину следовало бы назвать «Бессмертие». С малых лет он окунулся в атмосферу народного искусства. Вторая женщина в умилении смотрит на ребенка. Они не то разбиты местами, не то затянуты паутиной, а может быть, просто покрыты пылью.
Он становится символом жизни, памятником времени. "Играющие мальчики" (1911) и особенно "Купание красного коня" (1912) знаменуют принципиально важный рубеж в творчестве Петрова-Водкина. Стёкла в этом доме выглядят странно. Именно она наводит ужас на всю эту крепкую, дружную и такую милую семью.
В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. По словам Ю. Русакова именно такие люди способны двигать искусство. И это действительно так. При таком изображении в портрете, натюрморте, пейзаже – везде можно было передать всеобщее, «планетарное» : «Пейзаж в картине «Играющие мальчики» имеет реальные черты, но вместе с тем – это часть планеты с крутящейся сферой. В графических искусствах Петров-Водкин также сказал свое слово.
Волосы девушки убраны назад и закручены в тугую прическу. Первой картиной на этом пути стало его знаменитое Купание красного коня (1912). «Купание красного коня» (1912) — произведение, ставшее поворотным в творчестве Петрова-Водкина. А. Н. Радищева) было обнаружено упоминание о «Васе» в ранее не опубликованном черновом списке работ, написанных художником в 1917–1925годы, составленном К. С. Петровым-Водкиным, вероятно, в 1926году для Ф. Ф. Нотгафта, который не только имел в своей коллекции картины К. С. Петрова-Водкина, но вел списки его работ. Искусствовед С. Д.
«Для меня «Красный конь» – яркий образец символистской живописи, – отмечала искусствовед Наталья Адаскина. В некоторые натюрморты Петров-Водкин вводит изображение собственных рисунков и акварелей, заново интерпретируя их сообразно духу данного холста (так до него уже делал Матисс) или палитры – словом, своего рода атрибутов искусства, окунающих зрителя в атмосферу мастерской художника. Живописная природа хвалынской земли привлекает художников и по сей день. Когда Петров-Водкин начал заниматься у Бурова, тот был уже тяжело болен. Она не выброшена, не спрятана в дальний угол. Это подтверждает и сам автор в интервью о своей картине. Это было, с одной стороны, счастливое лето, когда он мог насладиться собственным, наконец достроенным, давно чаемым «гнездом«— дачей в окрестностях Хвалынска, где он «прочувствовал природу до конца», где ему хорошо работалось и спалось, где «приходили мысли, глубокие и поэтичные». На картине изображена Татьяна Пилецкаяя, знаменитая актриса советского кино, в годы детства, когда никто ещё не думал о том, что её ждет такое будущее. Но индивидуальный почерк художника говорит не о подражании, а только об интерпретации этих образов для выражения «вечной» идеи красоты и гармонии. Выразителен и портрет матери художника, созданный в сдержанной манере, но глубоко психологический.
К. Петров-Водкин. Может быть, один из них и стал героем портрета, как и Феоктиста («Фектя») была не просто соседской девчушкой, но и дальней родственницей художника. Так изложил содержание «Сна» А. Бенуа, хотя и признавал, что картина ему чужда, но несомненно относится к наиболее значительным произведениям года.
Последнее значительное произведение Петрова-Водкина – "1919год. Тревога" (1934). Профессор. Эскиз картины, сделанный в 1914 году, абсолютно не обещает ни масштабности, ни величавой статичности, которые определяют звучание «Девушек на Волге». За спиной у девушки сервированный стол, покрытый синей скатертью.
Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. 1910Холст, маслоГосударственный Русский музей», несли на себе печать общеевропейского искусства и были по сути своей вненациональными, то «Мать» – глубоко национальное произведение. Во все полотно – мощная фигура коня. Петров-Водкин). Сюжет картины – празднество в рабочей семье по случаю вселения в барский особняк.
Он создавал тысячи эскизов, сочинял истории и сказки, написал книжку для детей «Аойя. Портрет Анны Ахматовой (1922). Занимался графикой, был театральным художником. Она опустила ресницы и сосредоточенно смотрит на своего малыша. Художник оставил ее ненадолго, он вернется, чтобы сыграть импровизации нового времени.
В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Восхитившись талантом юноши, архитектор вызвался помочь Кузьме поступить учиться в Петербург, а Казарина в свою очередь пообещала материальную поддержку. Лето», 1917, «Весна», 1935 и др. ). Такова композиция картин «Полдень. Любимым педагогом его был В. А. Серов, оказавший большое влияние на начинающего художника. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933).
Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения). С 1908 участник выставок «Золотого руна». От нее я унаследовал запойное чтение моего детства и юности», – вспоминал художник. Подобное «двойное дно» обнаруживается во многих живописных и литературных произведениях 1930-х годов. В картине «Демон сидящий» юный титан изображен в лучах заката на вершине скалы. Не так давно получил прописку в волжском городке фестиваль Хвалынске этюды.
В картине Петров-Водкин наиболее убедительно передал свое ощущение земли как планеты, построив композицию по принципу разработанной им сферической перспективы. Страшная, со слезами и горем, не щадящая ни семьи, ни отцов, ни детей. Итак, картина могла быть написана в Хвалынске, в доме родителей художника (ныне дом-музей К. С. Петрова-Водкина) или на его красулинской даче летом 1916года. 196 248 см. Но в этой же графе есть и работы, написанные в 1916году.
Символические элементы, столь важные в ранних картинах, не исчезли совсем, но приобрели живую связь с конкретными явлениями революционной действительности. Наконец, в 1970 году вышли новым изданием его автобиографические повести. Поездка в Ферапонтов и обращение к Древней Руси отразилось и в охристой общей цветовой гамме портрета и в иконописной манере изображения, в строгости «предстояния» Васи.
Все члены семьи в оцепенении застыли и ждут чего-то страшного. В дальнейшем они пользовались все большим успехом, были дважды переизданы и легли в основу многих монографий, статей, брошюр и альбомов о Петрове-Водкине. Автопортрет (1918). На полотне изображена семья.
Оно угадывается в застывшей у окна фигуре отца, который в напряженной тишине вглядывается в ночную мглу, пытаясь разглядеть очертания наступающей беды. Любимой девушке Кузьма рассказывал о законах физики, геометрии и астрономии. Человек-парадокс. Однако его приняли в класс живописи и рисования Бурова. А вот в картине «1919 год.
Наталья, . Кроме того, очевидно, что при работе над «Девушками» художник помнил о старинных русских иконах и фресках мастеров Раннего Возрождения, виденных им во время путешествия по Италии.
Купить копию картины можно на подарок или для оформления собственного интерьера. Изображено около двух десятков персонажей, собранных в несколько групп. Он не копирует жизнь и не подменяет ее вымыслом. А может быть, шел поиск композиционных вариантов «интерьерной» картины и возможностей только-только нащупываемой «сферической» перспективы.
К. Петров-Водкин «1918 год в Петрограде» («Петроградская мадонна»), 1920. Это подтолкнуло Петрова-Водкина к мысли о том, чтобы профессионально заняться «художествами». Это придало полотну большую силу. Все это показано откуда-то сверху, как бы с небес. Чуть позднее Петров-Водкин создал картину «Играющие мальчики», где он во всей полноте применил трехцветную гамму – большинство работ в дальнейшем он писал красным, желтым и голубым.
Это полотно стало важным этапом к его главному творению – «Купанию красного коня». Потом — фантазия. А он каким-то непостижимым образом стал украшением. Завершением цикла послереволюционных произведений К. Петрова-Водкина явилась его прославленная Петроградская Мадонна («Петроград, 1918 г»), написанная в 1920 г. На фоне революционной улицы, где люди обсуждают события и идут по самым неотложным делам, молодая мать на балконе бережно держит малыша. Однако в 1940—50-х годах картины его практически исчезли из экспозиций крупных музеев, а выставка была за это время проведена лишь одна, да и то какая-то случайная и абсолютно «не представительная».
Он отказался от классической перспективы и заменил ее сферической. Свое понимание революции как всемирно-исторического явления, открывающего человечеству путь к совершенству, он воплотил в ставших классикой советского искусства картинах «1918 год в Петрограде» (1920) и «Смерть комиссара» (1928). Ему вообще надлежало остаться в Хвалынске и стать сапожником.
Отдельно взятая жизнь отдельного человека – ничто. Первые наброски художник сделал на юге России, близ Камышина. Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить». Сейчас кивнет и, удобно устроив куклу, убежит с веранды, заливисто смеясь. Тревога» (1934) окно — это символ какой-то опасности именно оттуда исходит тревога. (1924), «Первые шаги» (1925), «Смерть комиссара» (1928), «Весна» (1935) и др.
Тревожен и колорит картины: в многоцветье домашнего мира резко вторгается красный (юбка женщины) и синий (темнота ночи за окном). Это как бы окно в мир, оно символизирует открытие мира человеком. "1918 год в Петрограде".
Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906 «Берег», 1908 «Сон», 1910). Петров-Водкин занимался также и монументально-декоративными работами: росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче (1910), в Морском Никольском соборе Кронштадта (1913), росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы (1915). Предстоит что-то грандиозное, коренным образом меняющее судьбы. По словам Ю. Русакова именно такие люди способны двигать искусство. Возможно, художник хотел избежать прямой композиционной аналогии с «Матерью».
А его дар пророчества. Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. Побелевшее от боли лицо выделяется пятном на темном фоне гимнастерки и кожаной куртки. Последний также поддерживал все творческие начинания художника и снабжал его выгодными заказами. Идею же полотна «1918 год в Петрограде» – таково официальное название картины – можно выразить так: разрухи и нищеты не будет, мы сумеем преодолеть это.
В Петербурге его персональная выставка состоялась в 1909-м. Или: красный конь – сама Россия, отождествляемая с блоковской «степной кобылицей». Его оригинальной приключенческой повестью с авторскими рисунками «Аойя.
Он оказался в центре настоящего литературного кружка: Алексей Толстой по соседству писал «Петра I», Вячеслав Шишков работал над «Угрюм-рекой», Константин Федин дописывал «Братьев». Государственный Русский музей (Петербург)Многие художники создавали портреты Анны Ахматовой, уже Н. Альтман написал свой известный портрет поэтессы, но Петров-Водкин сумел увидеть в Ахматовой «своё»: личность, человека многогранного таланта и внутренней широты. Портреты кисти Петрова-Водкина имели характерную особенность: персонажи изображались крупным планом, они как бы приближены к зрителю. Именно сосредоточенность на лице позволяет датировать портрет 1916годом.
Они расположились на веранде. Его мадонна оказывается русской босоногой крестьянкой («Мать», 1912 – 1913). И в этой женщине тоже нет ничего «мистического».
Появившаяся тогда же монография В. И. Костина впервые дала достоверный обзор и анализ его искусства. Петров-Водкин строит рассказ на контрасте скромной рабочей одежды их домашних вещей – и картин в золоченых рамах на стенах особняка, с зеркалами и креслами, оставленными сбежавшими от революции бывшими хозяевам. Пространство передано условно. Так же как и на картине «1918 год в Петрограде», мать у Петрова-Водкина — защитница, берегиня. Приключения Андрюши и Кати в воздухе, под землей и на земле».
Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, что оказало влияние на разработку им сферической перспективы. Эту картину Кузьмы Петрова-Водкина часто называют «Петроградской Мадонной». Холст, масло.
В этом же письме 30 июня – 1 июля, кстати, есть и такие строки: «Перед моими глазами горизонт исчезает в ночных сумерках, наряжаясь в розовую и голубую краски». Но лицо изображенной матери еще «абстрактно», а в портрете «Васи» уже ищется типаж— характерный, волжский. Современники Петрова-Водкина восприняли «Красного коня» как заклятие современной действительности, как призыв и предчувствие грядущего очищения и обновления мира.
К счастью, экзамены были благополучно провалены. Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918 «Голова мальчика-узбека», 1921 «Портрет Анны Ахматовой», 1922 и др. ). Впереди же и (что немаловажно) как бы «над» панорамой революционного Петрограда — женщина в белом платке с иконописным ликом, прижимающая к груди дитя — ровесника, по-видимому, октября 1917 года. Страшная, со слезами и горем, не щадящая ни семьи, ни отцов, ни детей.
У молодой мамы усталый и в то же время суровый взгляд. И символом его выступает небесно-голубое здание, находящееся позади мамы. Именно она наводит ужас на всю эту крепкую, дружную и такую милую семью. К. Петров-Водкин «Купание красного коня» (1912). Лето" (1917), "Спящий ребенок" (1924), "Первые шаги" (1925), "Смерть комиссара" (1928), "Весна" (1935) и др. Мать, Анна Пантелеевна, служила домработницей.
Все это — на заднем плане. Да и огромная энергия красного коня словно скована. 1934 год не менее способствовал тревожному настроению, страху за семью, за свою жизнь, за будущее детей.
Одежда всех домочадцев очень скромная, безликая, хотя и яркая по расцветке. Художники этих направлений и групп считали, что только им открыты дороги в будущее. И вот теперь эту мечту удалось осуществить в полной мере: Везувий, когда художник поднялся к самому его жерлу, сотрясался от взрывов и осыпал склоны пеплом. А еще много читал, был завсегдатаем Художественного театра, очень любил музыку.
Изначально конь был рыжим и очень похожим на тех лошадей волжской породы, которых мастер знал с детства. Лето (обе – 1917). Так и случилось. Здесь нужно сказать и о том, что если в предшествующих работах само их содержание было отвлеченно-аллегорическим и далеко не всегда связанным с наблюдениями и впечатлениями, полученными в реальной действительности, то в новых картинах вдохновляющим началом стала сама жизнь именно жизнь Хвалынска. В качестве примера можно привести две его картины: Утро. На руках у бойца умирает комиссар. Рождается ощущение первозданности.
Ваше имя стало некоей гарантией достойного содержания материла, который Вы представляете. Земля – словно голубая сфера, вращающаяся под ногами солдат. Взволнованное чувство любви художника к героям революции проявилось в полотне Смерть комиссара (1928), написанном к десятилетию Красной Армии. Так, в «Судьбе барабанщика» Гайдара мы имеем дело с мальчиком, чей отец сидит в тюрьме за растрату, но подспудно в этой повести звучит несколько иной мотив (вернее, сплетение нескольких горьких мотивов), наводящий читателя на мысль, что не растрата имела место быть, а нечто другое. Отец его, Сергей Федорович, был сапожником. (1917), «Спящий ребенок». Та же дощатая стена избы, киот слева, только в портрете на нем стоит икона Богоматери «Умиление», а в картине— несколько мелких бумажных.
В их живописи предстали самые разнообразные решения проблемы мертвой природы. Оформил спектакли «Орлеанская дева» Шиллера (1913) в театре Незлобина, «Дневник Сатаны» по Андрееву (1923) и «Женитьбу Фигаро» Бомарше (1935) в Ленинградском театре драмы им. Беззаботная игра, борьба, своеобразный танец ребячьей удали. Этим произведением Петров-Водкин начал создавать мир, который давал зрителю ощущение сферичности земной поверхности (водкинское восприятие пространства). 1919 год, Гражданская война.
Именно в эти годы Кузьма Сергеевич пришел в своей живописи к системе трехцветия. Вместе с тем натюрморты с красноречивой точностью передают суровый дух времени ("Селедка", "Скрипка", оба 1918). Они считались священными их запрещалось употреблять в пищу. Часто играл своему другу Кустодиеву любимые сонаты Моцарта на скрипке. Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923 «Смерть комиссара», 1928). На рубеже 1920-х и 1930-х, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, обратился к литературному творчеству.
После смерти художника его имя было вычеркнуто из советского искусства. Тогда же создается еще один детский портрет «Фектя»— хвалынской девочки Феоктисты Липатовой, он больше «Васи» по размеру, но такого же горизонтального формата, так же в портрете Фекти пейзажный фон зеленой стеной замыкает композицию, как в «Васе»— дощатая стена избы, тот же поиск «выражения, конкретного, как жизнь», не «существа-образы» «оживляются» на холсте, как, например, в «Жаждущем воине» (1915), а ищется «выход в реальное событие».
Именно глазами комиссара зритель видит окружающий мир. Но всё же какой-то лучик надежды на светлое будущее в нём есть. С детства мальчик красками выражал свои эмоции. Мифы разных народов рассказывают, как люди произошли от животных и растений из камней, глины и др. Художник очень часто изображал на своих работах женщин. Вероятно, этот дом покинуло богатое семейство, а простой люд ещё не заселился. Девушка в картине художника – это не просто лицо, но глубокий психологический образ.
Петров-Водкин применяет реалистичный стиль композиции, но отказывается от движения света, который так широко используется в полотнах других авторов. Жизнь застряла, остановилась. Позже оба варианта изображения интерьеров: с окном или распахнутой дверью (удвоение пространства, «пространство в пространстве») и с «глухой» стеной, на фоне которой изображены персонажи, — получат развитие.
Вся жизнь Петрова-Водкина состоит из «небывальщин». Почему К. С. Петров-Водкин отказался от изображения окна в портрете. Однажды дети дачников устроили импровизированный концерт – читали стихи, пели песни, танцевали – и Петров-Водкин, впечатлившись природной грацией девочки, пригласил её позировать для портрета.
Сильная фигура молодой женщины прочно стоит в центре комнаты. Многие произведения Петрова-Водкина построены по принципу двойной экспозиции ("1918 год в Петрограде", 1920 "После боя", 1923 "Смерть комиссара", 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа. Они тоже открыты миру и мир открыт для них. Ремесло важно и для художника, так же как для слесаря или столяра. «Голодный паек» словно включен художником в общую атмосферу эпохи.
Для одних она стала символом приближающейся революции, для других – современным перепевом иконы «Чудо архангела Михаила». Натюрморты Петрова-Водкина хочется назвать не мертвой природой (они слишком для этого живы) и не спокойной жизнью (слишком уж они неспокойны), а скорее, описательно – предметными композициями. Главное – это стойкое ощущение страха, тревоги, чего-то угрожающего. Эта застывшая сила вызывает чувство неясной тревоги, ощущение неумолимости грядущих перемен.
Рядом с холстами монументально-декоративного характера, не лишенными стилизации («Девушки на Волге», 1915), возникают психологизированные образы в «оболочке» почти натуралистической формы («На линии огня», 1916). В 1904 году Петров-Водкин заканчивает московское училище и спустя год отправляется в Италию. На первый план выдвигается проблема пространства, находящая разрешение в «сферической перспективе». Зеленый купол Земли, синее небо.
Художника притягивали красивые лица «новых» людей и психология героев, отдавших свою жизнь за идею. 71 58 см.
Край художника, как и многие другие места страны, был действительно полем гражданской войны и нетрудно было представить себе военные события, происходившие именно здесь. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Однако октябрьский переворот он принимает восторженно.
Художник как бы предсказал своей картиной «красную» судьбу России XX в. На первом плане изображён юноша верхом на красном коне и этот образ во многом сходен с традициями древнерусской иконописи с её ясностью цвета. Государственная Третьяковская галерея (Москва)Это последняя крупная работа художника. «Общую тему «Новоселья» можно сформулировать так: ленинградский пролетариат в момент перехода к мирному строительству. «Форма и цвет, объемлющий эту форму, – и есть живопись» – так сам Петров-Водкин сформулировал свой принцип. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914–1915, «Петроградская мадонна», 1918). Именно тогда зародилась в Кузьме любовь к чистым сочным тонам. Но чего они так боятся. В его мастерской парнишку больше всего поразили краски в баночках.
Холст, масло. Она сидит на траве среди родных полей. нащупывает более плодотворный путь. Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. Но есть подлинная значительность. Все это вместе взятое – и жизненные впечатления и произведения итальянских монументалистов и покоривший его высокий стиль древнерусских икон – породило некий новый художественный сплав. Важным этапом в творчестве художника стало написание в 1911 г. картины «Играющие мальчики», что совпадает с его попыткой теоретически осмыслить и сформулировать свою живописную систему. Работа говорила уже не только о прекрасной природе и радости жизни.
Петрова-Водкина в Русском музее в Ленинграде. Повести при их появлении получили очень разную оценку со стороны литераторов. Тотемные животные были основателями родов, духами-хранителями и целителями. К. Петров-Водкин.
В колорите картины — контрасты. В «Матери» она более выявлена наклонными горизонталями и вертикалями, создающими эффект «качки мирового корабля» в обычной русской избе.
От восхищения красотой родной природы до трагических жизненных впечатлений. Полотно «Мать» выполнено в любимой красной цветовой гамме художника. Она улыбается от счастья. «Демон» Врубеля — соединение противоречий: красота, величие, сила и в то же время скованность, беспомощность, тоска его окружает сказочно-прекрасный, но окаменевший, холодный мир. Работы Петрова-Водкина— редкое явление для международного арт-рынка.
Глава лондонского департамента русского искусства аукционного дома Сара Мэнсфилд сообщила агентству «Интерфакс-Сибирь»: «Картину русского художника Вася мы обнаружили четыре месяца назад в Чикаго, в одной семье, в которой она хранилась около 70лет. В дальнейшем художник обучался у Серова в Москве, выезжал за границу – в Европу и Африку. Космологический символизм сказывается и в портретах ("Автопортрет", 1918 "Голова мальчика-узбека", 1921 "Портрет Анны Ахматовой", 1922 и др. ). Из Ленинграда художник переехал в Детское Село.
В 1928 г. к десятилетию Красной Армии Петров-Водкин написал оптимистическую элегию «Смерть комиссара». Когда мальчику шел третий год, отца забрали служить в Петербург, на Охту. Крестьянская одежда, косынкой перехваченные волосы, суровое лицо, строгий взгляд.
Спас Захаров многих, но ценой собственной жизни. В образах картины многие зрители увидели предзнаменование грядущих перемен в жизни общества. Художник любит вводить в них зеркала, стеклянные или просто какие-нибудь блестящие предметы (самовар, никелированный чайник), позволяющие ему отдаться анализу сложной игры рефлексов, преломлений падающих и отраженных во внутренних гранях пучков света.
Это была одна из первых работ красками Петрова-Водкина. Еще более важной в творческом росте художника и в окончательном формировании его своеобразного индивидуального стиля стала картина Девушки на Волге (1915). Петров-Водкин Был членом различных художественных объединений: «Мир искусства», «Четыре искусства». Но юноша не сразу посвятил себя изобразительному искусству. Но увиденные в детстве образцы древнерусской живописи «пересилят» в памяти Кузьмы Сергеевича поздние, «новодельные» иконы с их сдержанным, блеклым и темноватым колоритом. Картину «Материнство» можно назвать удачной, поскольку она является отражением той темы, которую Петров-Водкин часто раскрывал в своих работах.
Поэтом)» вполне уместно предположить, что цифра, проставленная мастером, декларативна и на самом деле «Тревога» представляет собой «чемодан с двойным дном». В портрете с изображением крупного плана девушки «У окна» Петров-Водкин представляет сборный, навеянный образ, при этом зрителю этот образ не видится искусственным. Петров-Водкин сразу занял место в первом ряду русских художников XX века. Визу на пребывание в Риге ему выхлопотал Г. Я. Скулме. Вот таким образом Петров-Водкин охотно берется за выполнение заказов по росписи новых церквей.
Вот что вызывает их тревогу. – Светить, создавать настроение праздника – это главное». Эта картина своей монументальностью приближается к фреске. Картина была показана в 1912 г. на выставке «Мира искусства», впоследствии она стала самым знаменитым произведением Петрова-Водкина. И как его за это не покарали. Приключения Андрюши и Кати в воздухе, под землей и на земле» (1914 г. ) зачитывались дети. Мать Кузьмы работала горничной в доме ее сестры.
Из-за смерти Бурова пришлось вернуться через год в родной Хвалынск.
Подростка, сидевшего верхом, Петров-Водкин писал со своего племянника. Описание картины Мать и дитя. В 1916году он последний раз перед долгой разлукой с родными пробыл в Хвалынске с июня по декабрь (в 1916году К. С. Петров-Водкин был вызван в Хвалынск, он был приписан как военнослужащий по месту рождения). А сам художник после начала мировой войны воскликнул: «Так вот о чем было «Купание красного коня». Сосед, ночной сторож, мастерски исполнявший лубочные картинки, был первым учителем Кузьмы, а следующим – иконописец «древнего обычая» Филипп Парфенович.
Особенно интересен его скрипичный этюд: на изломе городского окна лежит скрипка. Гайдебурова.
Здесь представлена икона «Страшный Суд со Страстями Христовыми» мастера П. И. Суконцева, созданная в середине XIX столетия и имеющая происхождение из хвалынской кладбищенской церкв. Натюрморты Петров-Водкин изредка писал и в молодые годы, но только в 1918-1920 годах они стали центральной темой его творчества. Втайне прибил картину будущий художник к кресту Захарова на староверческом кладбище.
Цвет играет побочную роль в передаче характера. ». В такую форму у меня вылилось это состояние тишины сна. К. К. Петров-Водкин «Смерть комиссара» (1928).
Петрова-Водкина считают замечательным мастером «церковного модерна». Картина «Тревога» воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами. Представленная работа, портрет Анны Пантелеевны, написанная в 1909 году, вдохновенно передает с детства любимый образ – именно к матери, не к отцу, Петров-Водкин чувствовал особенную привязанность. В искусствоведческой литературе уже не раз говорилось о том, что термин натюрморт неудачен, не отражает сути жанра, которому более соответствуют Stilleben, Still Life – тихая или спокойная жизнь (по-немецки и английски).
Ведь не зря всегда говорили, что дети – цветы жизни. В данной информации смущает дата выставок в Риге, участником которых мог быть К. С. Петров-Водкин. До блокады Ленинграда оставалось 23 года. Он изображает женщин с младенцами, как нечто святое и неприкосновенное. — С вое происхождение человек связывал с космосом. Возможно, мальчик приходился родственником К. С. Петрову-Водкину.
При первом взгляде на портрет всплывает в памяти картина К. С. Петрова-Водкина «Мать» 1915 года. Государственная Третьяковская галерея (Москва)На балконе, на фоне городского пейзажа изображена молодая женщина, прижавшая к себе ребёнка. Мать на картине Петрова-Водкина — женщина из народа. Этот образ навеян художнику в маленьком городке на Волге — в Хлыновске навеян матерью его — крестьянкой Аненой и песнями, которые пела она ему и маленькой иконой богоматери, что сделал какой-то деревенский художник, глядя на такую же женщину, как и его мать. Родился Кузьма Сергеевич в городке Хвалынске Саратовской губернии.
Оранжевые с красными тенями – горящие тела. Ответ найдем, если взглянем на название картины, данное ей художником. Недаром критики того времени пророчили ему успех именно в монументальной настенной живописи.
Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты1112. У Петрова-Водкина его мадонны тоже на фоне окна или на балконе. Принципиально ее отличие от «итальянской» перспективы в расчете на динамику зрителя.
Девочка сидит на стуле, настороженная, заскучавшая, поглядывающая в сторону – скорей бы отпустили. Начальные художественные навыки получил у местных иконописцев. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Порукой надежды то, что «люд» ощутил себя человечеством, а раз это ощущение явилось оно не исчезнет.
Первоначальное художественное образование Петров-Водкин получил в Самаре в классах живописи и рисования Бурова (1893 г. ), затем учился в Петербургском училище Штиглица (1895-1897 гг. ) и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1897-1904 гг. ). Безусловно, творческий коллектив с полной отдачей поддерживает все начинания своего руководителя. Первым таким произведением стала картина 1918 год в Петрограде (1920). Недаром картина имеет и второе название – Петроградская мадонна. Художник передал этот смысл очень хорошо.
Благодаря её усилиям и вдохновенной работе живёт и принимает посетителей небольшой, но значимый музей в Хвалынске. А вот большинство пьес, повестей и рассказов молодого автора так и остались в рукописях. Мрачные здания, каких так много в Петербурге-Петрограде, широкие пустые улицы, люди в изветшавшей одежде, занятые обсуждением слухов и добыванием пищи. Повернув голову, она настороженно смотрит в сторону окна и бережно обнимает дочь, готовая защитить ребенка от смертельной опасности.
И если такие картины, как «У моря» и «СонСон. Скончался 15 февраля 1939 г. в Ленинграде. Первичная – отдана художником, падающему свету. Всю жизнь Петров-Водкин искал живописную форму «философской картины мира».
204 297 см. В портрете тоже была попытка изобразить часть окна с пейзажем за ним, но в окончательном варианте художник отказался от него: в правой части холста угадывается его закрашенное изображение: вероятно зеленые цвета пейзажа за окном «перекликались» с такими же «всполохами» на ризе Богоматери на иконе. И эта семья не представляла ценности этой картины. И это ожидание явно читается на лицах матери и старшего ребенка, дочки.
Лето». В семье и в своём городе пользовался любовью окружающих. Одна из первых известных работ на госпитале в Питере. Почти все полотно заполняет монументально-гордая фигура красного коня.
Пушкина. К. Неспроста художников и иконописцев всех времен вдохновляет тема материнства, ведь оно олицетворяет собой одновременно любовь, защиту и заботу, которые окружают и оберегают не только детей, но и всё вокруг. Потом было увлечение литературой. Наравне с «Купанием красного коня», картина «Девушки на Волге» может быть названа одной из важнейших вех в творчестве Петрова-Водкина.
Его первыми учителями в искусстве были местные иконописцы в г. Хвалынске Саратовской губернии, где он родился в 1878 году, в семье сапожника. Можно лишь сказать, что повести помогают понять, какими именно путями шел художник к познанию и самого себя и законов творчества, которые он не только изучал, но и открывал. Принципиальное ее отличие от "итальянской" перспективы – в расчете на динамику зрителя. Чертами такой организации отмечены многие произведения: "Полдень. Цветы и женская голова» (1921). Но в конце концов тяга к изобразительному искусству в нем победила. Увидеть настоящий вулкан было его давней мечтой.
Голова ее наклонена и, кажется, женщина прислушивается к себе. Дальний план боя с легкими облачками взрывов кажется нереально-фантастическим. Как-то не рассчитал силы, плавая в Волге.
В конце июля 1924года по дороге во Францию, К. С. Петров-Водкин с семьей останавливался в Риге на две недели, читал лекцию об основных положениях разработанной им «сферической» перспективы, способной воздействовать на зрителя органически. Работал в судоремонтных мастерских, дворником, маляром-вывесочником. У молодой мамы усталый и в то же время суровый взгляд. Единственный в мировой практике пример. На руках у нее будущее. Одно из самых знаменитых полотен художника известное также под названием «Петроградская мадонна».
Главное – это стойкое ощущение страха, тревоги, чего-то угрожающего. Это всё – преходяще, главное для неё – вырастить своего малыша. Иконописцы в ХIХ веке часто для заказчиков-старообрядцев имитируя стили XV— XIV веков (дониконовской эпохи) избегали яркого цвета. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство в их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Там, за окном, — враждебный мир.
Женщина в красной накидке как бы отвернулась от уличной суеты, но не отторгает ее. Похоронен на Литераторских мостках Волкова кладбища. Скрипка, прислоненная к окну, за которым виден покачнувшийся на пространственных осях пейзаж бесчисленных петербургских крыш и тесных дворов, своим изящно-артистичным силуэтом эстетизирует этот печальный мир и, в свою очередь, получает от него щемяще-минорную окраску (Скрипка, 1918, ГРМ). Одной из целей поездки был.
Чистые цвета— красные, желтые, синие— во всю силу «заговорят» в его работах. Последней большой картиной мастера стало полотно Новоселье (1937). Особенность ее состоит в том, что в ней соединены Страстной цикл (помещен в верхней части композиции) и Страшный Суд. Но в другой работе – натюрморте «Селедка» (1918 г. ) звучит уже иная, щемяще-скорбная музыка.
Звучная, открытая цветовая гамма придает картине особые декоративность и монументальность, свойственные уже некоторым предыдущим вещам Петрова-Водкина (в том числе «Купанию красного коня»). «Плавями» написанное лицо, вернее было бы сказать «лик», небольшой рот с тонкими, плотно сжатыми губами, дугообразные тонкие брови над не по-детски серьезными серо-зелеными глазами, светлые, цвета выгоревшей на солнце соломы, короткие волосы, обрамляющие «светящимся нимбом» гладкое лицо с загоревшим носом, тоже отсылают зрителя к древнерусским образам. Особенно часто к нему обращались в дни Великой Отечественной войны и после неё. В этом черновике в графе, относящейся к 1917году, упоминается картина «Вася».
Чудом остался жив, на помощь пришел сосед Илья Захаров. — Мне запомнились работы Врубеля, его образ демона. «Тревога» — последнее значительное полотно художника.
Но главный момент изображения абсолютно не в бедности нарисованных персонажей. Нельзя не отметить и своеобразное провидение Петрова-Водкина, будто предсказавшего «красную» судьбу страны. Когда он завершил свою работу «Сельдь», был 1918 г. Коллеги подняли его на смех: «Водкин рисует селёдку. » А он ответил что-то несуразное: «Это паёк блокадного времени».
В 1914 году «Красный конь» отправился на международную выставку в Швецию. На картине осталось то лето в теплых тонах, в рыжем свете на досках веранды. Автор не ставит перед собой задачу «сфотографировать» действительность, однако ни одной «нереальной» детали мы здесь не найдем. Купальщицы» (1917).
Доверчиво и спокойно смотрит она на зрителя. Даниэль в книге «Знаменитые русские художники» так охарактеризовал творчество Кузьмы Петрова-Водкина: «На протяжении 1910-х годов амплитуда поисков Петрова-Водкина остается очень широкой. Везувий. К. Петров-Водкин «Сон» (1910). Тревога не только на лицах людей.
Холодный лиловый цвет «борется» с теплым оранжево-золотистым. В это же время он пишет картины Юность (1912) и Играющие мальчики (1911), целиком построенные на ритмическом движении фигур. К. Петров-Водкин ««Новоселье» («Рабочий Петроград»), 1937 г. Холст, масло. Он обращается к старой и вечно новой теме материнства. Он заслоняет собой почти все пространство холста.
Туберкулез прогрессировал и врачи запретили писать маслом — не выдерживали легкие. 1919 год, Гражданская война. Октябрьскую революцию К. С. В последнем случае под «иконописными рутинными навыками» художник имел в виду позднюю иконопись с ее «искусственным» темным колоритом, «сдержанностью и улаженностью между тонами», разлучающими икону с чистым цветом.
В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Ей было тогда семь лет.
– обнимает куклу, которая, как и многие куклы, глупо улыбается из-под руки хозяйки. Ей было тогда семь лет. Они расположились на веранде. В её выражении лица читается серьезность, с которой она относится к своему любимому чаду. Они не то разбиты местами, не то затянуты паутиной, а может быть, просто покрыты пылью.
В портрете с изображением крупного плана девушки «У окна» Петров-Водкин представляет сборный, навеянный образ, при этом зрителю этот образ не видится искусственным. Некоторые исследователи относят его творчество к неоакадемизму (влияние итальянской живописи раннего Возрождения, русской иконописи и французского постимпрессионизма). Он воплотил в своём творчестве теорию «сферической перспективы», в которой благодаря использованию нескольких точек зрения удавалось охватить обширное пространство, подчеркнуть момент движения и совместить в одной композиции разновременные эпизоды. Художник создал собственную школу из которой вышло много художников, среди которых А. Самохвалов, Л. Фролова-Багреева, Н. Купреянов, А. Прошкин, В. Прошкин и др. Не тогда ли «Вася» и был приобретен владельцами. Цвет играет побочную роль в передаче характера.
Оцепенение перед началом чего-то нового настолько ярко выражено в картине, что она стала символом эпохи – начала ХХ века». Особенно часто к нему обращались в дни Великой Отечественной войны и после неё. Идею же полотна «1918 год в Петрограде» – таково официальное название картины – можно выразить так: разрухи и нищеты не будет, мы сумеем преодолеть это.
Также можно увидеть отражение третьего присутствующего в начищенном до блеска самоваре, который в дореволюционную эпоху принято было доставать исключительно по особым случаям, коим, по всей видимости и является приход гостя. Вот что вызывает их тревогу. В любом случае обнаруженная работа представляет несомненный интерес для исследователей творчества художника, добавляя новые штрихи к его творческой «алхимии». Лето», «Утренний натюрморт», «Натюрморт с самоваром» и др.
Неуклонное движение солдат вперёд в непонятном направлении даже страшит. Государственный Русский музей (Петербург)Картина внешне сохраняет форму аллегории. Участвовал в реорганизации Академии художеств и без колебаний занял должность профессора (1918 г. ), опасаясь гибели искусства и талантов в эпоху разрухи. Бойцы не заметили или просто не осознали смерти того, кто вёл их: «Отряд не заметил потери бойца. » На второго, упавшего подальше красноармейца, тоже никто не обращает внимания, он остался на дороге, а товарищи ушли. Художник изобразил бедную семью, в которой двое детей.
Сквозь строгость черт виднеется радость от осознания того, что она является матерью. Лишь не сдав экзамен, пошел писать вывески и учиться в рисовальных классах Федора Бурова. Ответ найдем, если взглянем на название картины, данное ей художником. Именно эти качества отличают картину «Купание красного коня» – главный шедевр художника, написанный им в 1912 году.
Аукционный дом исследовал картину и обнаружил, что данное полотно выставлялось на публике дважды в Риге (в 1922и 1932годах) в рамках экспозиции русских художников. И те, кто так её окрестил, правы, так как кормящая мама с младенцем, стоящая на балконе городского дома даже по выражению лица напоминает иконописный образ. Волосы женщины спрятаны под белым платком, на плечо накинута алая материя – своеобразный символ революции. 160 186 см.
Вскоре началась Первая мировая война и картина исчезла. Скалы, цветы, фигура написаны по-особому, по-врубелевски: художник как бы рассекает форму на отдельные грани и создается впечатление, что мир соткан из глыб драгоценностей. вот – зарифмованная мысль о природе души и ее взаимосвязи- взаимодействии со своим земным носителем:Я вечность чувствую момента, Когда свое теряя «я», Привычные сместив акценты, Смотрюсь в глубины бытия. Скользнув душой в поток СознаньяТо ль духа, то ли естества, Меж берегов двух мирозданьяМысль созерцаю и Слова –Не как мои, совсем иные. Значение их – ощущаю я, Как бы пространства сквозь земныеСмыслы лучат они своя. И отраженье «я» второго, На чем божественного знак, То так волнующе суровоГлядит в меня, то нежно так. Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878, Хвалынск Саратовской губ. Понимание пространства как «одного из главных рассказчиков картины» вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина». Кузьма изобразил на железном листе качающуюся на волнах лодку, тонущих людей и надписи «Погибший за других», «Вечная тебе память».
Критики подчеркивали, что красный конь выступил здесь в роли Судьбы России, которую хрупкий и юный наездник не в силах удержать. Сам же Петров-Водкин много лет спустя объяснял картину так: «Время его написания – это. Материнство – это ярчайший символ продолжающейся жизни, это словно зерно, давшее росток среди каменных стен голодающего Петрограда. И как вообще «самый передовой пролетарский художник» в разгар репрессий открыто рассуждает о «вселенской иконописности» и, не таясь, переименовывает свою старую картину в «Петроградскую Мадонну».
Одна из них, «Хлыновск», как попытка вернуться в детство и юность, пусть лишь на бумаге. Заслуженный деятель искусств РСФСР. В первые послереволюционные годы Петров-Водкин особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности ("Утренний натюрморт", 1918 "Натюрморт с зеркалом", 1919 "Натюрморт с синей пепельницей", 1920). Тогда и появился пылающий образ лошади, напоминающий коня Георгия Победоносца. Волосы девушки убраны назад и закручены в тугую прическу.
Можно видеть в картине и сатиру на новый быт, когда «уплотняли бывших буржуев». Его детством стала Волга, бесконечные баржи, шумная многоликая пристань. Для Петрова-Водкина это время пришлось на вторую половину 1960-х годов. Бойцы плотной массой вначале как бы «парят» над ней, а затем «заваливаются» за горизонт.
Но Петрову-Водкину «повезло». Жизнеутверждающий и цветовой символ «Цвет – дитя солнца», – объяснял впоследствии ученикам свой замысел Петров-Водкин. Этот «космический взгляд», который свойствен стилю художника, усиливает героическое звучание произведения. Понимание пространства как "одного из главных рассказчиков картины" вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина.
Вскоре туда перебралась вместе с Кузьмой Анна Пантелеевна. В картине он прозвучал как символ могучей воли, благородства и энергии. Малыш уже спит в своей кроватке, а дочь еще только собираются укладывать. В годы обучения и до самой революции неимущему таланту материально помогали состоятельная любительница искусства Ю. И. Казарина и придворный архитектор и владелец петербургской мебельной фабрики Р. Ф. Мельцер. У художника она должна быть безудержной.
